Ça y est le soleil a l'air enfin de retour (enfin pas sûr) !
Les joies du plein reprennent avec le matériel lourd à trimbaler, le tube de bleu ou la bouteille d'eau oublié, les coups de soleil sur la nuque, le paysan qui te regarde d'un œil mauvais, le chevalet qui se renverse, le barbelé qui te donne le tétanos, etc ... le bonheur est dans le pré !

>> Retrouvez moi cet été pour peindre de magnifiques paysages aux 4  coins de la France !

Les conseils du jour :

Je ne peins pas ce que je vois, je peins ce que je pense a dit Picasso. Parce que le peintre travaille donc avec son cerveau, voici une sélection de réflexions m'ayant traversé la tête en peignant ce paysage :
1 Situer le centre d'intérêt, ici le mangeoire selon la règle des tiers.
2 J'ai baissé le contrastes sur les vaches ainsi que les nuages pour valoriser le premier plan.
3 Varier la touche pour un aspect plus naturel.

50 nuances de vert !

4 Vert chaud, froid, foncé, clair, olives, pomme, émeraude, gris-vert, etc . Nuancer les verts pour ne pas tomber dans le systématisme, une peinture doit être subtile !
5 Les contrastes, les détails, les couleurs vives se concentrent au niveau du 1e plan.
>> Je veux plus de conseils plein air !

Il a fait très beau aujourd'hui, et j'en ai profité pour m'octroyer une séance de plein air into the wild. Avec les stages estivaux qui approchent à grands pas, il est grand temps de dépoussiérer la pochade box !

>> Dordogne, Bourgogne, Jura, retrouvez moi cet été aux 4 coins de la France pour apprendre à peindre de magnifiques paysages !

Les 10 conseils du jour :

1 Une peinture (de paysage et autres) commence par le choix d'un sujet. Il y a ce que l'on peint et comment on le peint. Ne pas négliger le choix du sujet, une étape déterminante sur le succès ou pas de la peinture.
Un sujet mal choisit affaiblit considérablement une peinture. Ne pas choisir le premier endroit qui vient. Faites un lent virage à 180 degrés, car un point de vue plus intéressant pourrait se trouver derrière vous.
2 Une fois le sujet trouvé, tourner autour et choisir son point de vue le plus valorisant.
3 Dans la nature, la variété est reine. Sans variété, pas d’aspect naturel. Evitez les redondances et variez tout (touche, couleurs, espacement, taille, etc.)
4 Trouver le titre de la peinture avant de peindre, ainsi l'intention reste bien en tête.
5  Ne pas chercher la reproduction du point de vue à l'identique. Faire des choix dans la représentation: il est impossible de tout peindre et quand bien même cela serait insensé. Tout n'est pas intéressant à peindre. Effectuer des modifications au besoin. Attention, les modifications doivent toujours se faire sur une base de justesse.

Work, work !

6 N'ayez jamais peur d'échouer. Si vous échouez, vous avez appris la chose suivante: "Cela ne fonctionne pas."
7 La plupart des peintures sont ratées au départ, car il n'y a pas assez de réflexion sur ce que nous allons peindre et comment nous allons le composer.
8 Éviter les points de vue proposant des compositions symétriques. En général situer le centre d'intérêt selon la règle des tiers. Privilégiez l’asymétrie pour dynamiser votre peinture.
9 Avoir une intention ! De quoi parle votre peinture ? Prenez quelques instants pour réfléchir avant de peindre. Comment allez-vous communiquer votre idée ? Faites des choix. Votre point focal est le cœur de votre idée. Comment allez-vous orienter l'œil du spectateur vers celui-ci? Plusieurs façons : lumière vive, contraste de couleur et / ou de valeur, bords plus durs, forme intéressante. Chaque décision que vous prenez sert votre intention.

10 Jeter un œil à la météo la veille !

Après les poses rapides du début de semaine avec David, place à de la pose longue à la peinture.

J'ai fait appel cette fois-ci à Florent, modèle exceptionnel car capable d'être gracieux et immobile malgré des poses difficiles à tenir.

Dans l’apprentissage de la peinture, la séance de modèle vivant est tout simplement le meilleur exercice pour progresser. La complexité du sujet doublée d'un temps imparti court rendent l'exercice difficile et donc particulièrement formateur.

Attention, peindre rapidement ne signifie pas négliger. Il s'agit d'avoir du contrôle sur les paramètres les plus importants de la peinture :

- Choix du sujet : J'ai sélectionné un point de vue offrant une dissymétrie et une expressivité des formes avec des bras et des cuisses qui partent dans tous les sens.

- Composition :
J'ai opté pour un cadrage avec des membres comme le bras droit sortant du champ. Cela dynamise la représentation et permet une peinture moins conventionnelle.

- Valeurs :
Le fond sombre valorise la luminosité de la peau.

Work, work !
- Centres d'intérêt :
La règle des tiers a été appliqué au niveau de la tête qui devient le centre d'intérêt. La compo/cadrage valorise également le pubis qui devient le 2e point focal.

- Matériel : Ne pas négliger la dimension matérielle. Le matériel doit être optimisé. Choix du médium, qualité du support, type de brosses ... Le matériel conditionne le style et doit s'adapter à l'intention de l'artiste. Lutter avec le support bride l'artiste.

>> Retrouvez moi en cours pour enrichir votre art !



Avant de peindre et manipuler la couleur, il s'agit de savoir dessiner, soit d'avoir une maîtrise des formes et des valeurs. 90% des pb d'une peinture ratée proviennent d'un dessin insuffisant.

Ne pas négliger le dessin, duquel dépend le reste ! 
J'ai créé cet Ebook dans lequel tout est décortiqué, matériel, démo commentée, conseils. 
J'ai demandé à David de venir prendre la pose hier sur l'estrade du cours dirigé.
Au programme une série de poses de 30 minutes parce qu'il s'agit tout simplement du meilleur exercice pour progresser !

Trop souvent négligé, l'apprentissage artistique doit commencer par le dessin.
La pratique du dessin va permettre de maîtriser une pléthore de notions telles que :

- Savoir mieux choisir son sujet
- Savoir simplifier
- Savoir composer
- Maîtriser la forme, la valeur, les proportions
- Optimiser ses tracés et hachures
- Rendre ses représentations dynamiques
- Interpréter la réalité et donc arrêter avec le recopiage de photos
- Etc .


Le dessin permet une expression simple avec une économie de moyens, sans couleurs, uniquement les formes et les valeurs, données essentielles à toutes images.
Négliger le dessin, c'est donc limiter significativement la progression du peintre.

Un simple dessin permet de rendre compte de la sensibilité effective ou non d'un artiste/poète.
Malheureusement, nombreux sont les peintres qui négligent le dessin, espérant souvent dissimuler cette lacune derrière l'émotion provoquée par la couleur.
On reconnait un poète à travers son dessin.



>> Retrouvez moi en cours pour enrichir votre dessin !

Les 3 erreurs du jour :

Face au modèle, l'objectif n'est pas de recopier bêtement le modèle ou de "faire ressemblant".
Si la justesse est importante, l'objectif premier est la fabrication d' une image efficace.
La ressemblance est donc un moyen et non une fin. L'art commence là ou s'arrête la copie.


1. Pose ou portrait ?
Face au modèle, l'intention doit être claire. Est ce que je mets en avant le portrait ou la pose ? Si le but est une représentation d'ensemble alors il s'agit de moins représenter le visage que la posture.
Ici le visage a été réduit a quelques masses.







2 Trop de contours.
Le contour n'existe pas dans la réalité. Le contour est un code, une convention graphique servant à délimiter une forme. Il s'agit d'éviter le formalisme, soit la forme comme étant plus importante que le fond. Le contour ne doit pas être systématique mais traité de façon subtile : présent, absent, continu, discontinu, fin, épais, etc.





3. Si tout est important .. rien n'est important
Une erreur courante est de tout représenter avec le même degré d'importance. Si tout est important, rien n'est important. La jambe droite de David est devant. Elle doit donc être plus présente que celle derrière. Idem pour le genou et le pied.

>> Je veux plus de conseils dessin !

Pour ceux qui n'ont pas accès à mes cours, j'ai créé cet Ebook qui réunit tout ce qu'il faut savoir pour booster vos dessins !

La démo du jour :


Parce qu'une bonne démo vaut mieux que 1000 mots !
Une sublime Valérie a pris la pose hier sur l'estrade de l'atelier de modèle vivant... 
Voyage envoûtant de 2 heures parmi les innombrables boucles de sa chevelure, jusqu'aux courbes pleines et troublantes de son corps.

2 heures de pose, c'est long pour le modèle, mais court pour le peintre. Ce temps imparti court le stresse à travailler plus vite et gagner en efficacité.

La séance de modèle vivant est difficile. Cette difficulté provient des nombreux problèmes à résoudre (mise à l'échelle, cadrage, etc.) et du temps de pose court.

Peindre d'après nature en général et le modèle vivant en particulier booste considérablement la progression de l'artiste. Le confort du travail d'après photos limite cette progression.

Pratiquer le modèle vivant, c'est se sensibiliser et développer sa capacité à :
- Mieux choisir son sujet
- Mieux composer
- Avoir plus d'intention
- Obtenir une touche dynamique
- Développer la synthétise
- Mieux mélanger les couleurs
- Etc.

Le temps de pose court est nécessaire pour gagner en efficacité. Du bon stress. A termes, on fait en 1 heure ce que l'on faisait auparavant en 2 heures pour un résultat plus spontané et vivant !

Impossible de progresser en peinture sans une maîtrise du dessin !
J'ai créé cet Ebook qui réunit tout ce qu'il faut savoir pour s'exercer à la maison.

>> Convertissez vous au modèle vivant pour progresser enfin dans votre pratique artistique !


Bien dessiner ou peindre est difficile. Il n'existe pas de trucs, ni de raccourcis. Il n'y a pas de secret, il n'existe pas de crayon ou de pinceau miraculeux. Le premier dessin sera raté, le deuxième aussi et il est plus que probable que le cinquantième aussi ... et tant mieux ! 
S'il était facile de dessiner, il n'y aurait pas de défi, pas de challenge et donc pas d'accomplissement. Or il n'y a de bonheur que dans l'accomplissement. 
Quelle satisfaction peut-on tirer d'une réussite sans difficulté ?

La citation du jour : 

La beauté, c'est la satisfaction de la vision.
Bonnard
Quand une peinture est signée, c'est qu'elle est terminée !

Travailler alla prima, c'est terminer sa peinture en une séance, one shot,  séance qui dure environ 3 heures. Après 3 heures, l’œil se fatigue et la concentration diminue.

Peindre alla prima ou au premier coup apporte beaucoup d'expressivité, d'énergie à la peinture. En effet, le temps imparti court requiert une gestuelle dynamique et de la synthèse.

Même si le maximum doit être peint en une séance, des reprises sont en général nécessaires, comme la correction de notes dissonantes ou l'ajout de rehauts ou encore de la signature.

Attention toutefois aux retouches. Pour ne pas perdre la spontanéité de la peinture, celles-ci doivent être légères et ponctuelles.


>> Retrouvez moi en cours pour tout savoir sur la peinture alla prima !

Le portrait du jour :

Ci-dessous, le portrait de Claire peint alla prima et décomposé en 3 étapes clefs :

Etape 1 Le dessin est la fondation de la peinture. Il s'agit de faire attention aux disproportions, et de bien composer. Bâcler cette première étape risque de compromettre la suite de la peinture.
Il est indispensable de savoir dessiner pour bien peindre.
>> En finir avec des lacunes en dessin ! 

Etape 2 Synthèse des masses. Cette étape permet de s'assurer de l'harmonie de la peinture. Apprendre à simplifier se fait en travailler d'après nature. Attention au travail exclusivement d'après photos qui incite à (trop) détailler trop tôt.

Etape 3 Approfondissement. Nuancer les demi-teintes pour faire vibrer la peinture, de lui apporter consistance et teneur. Le modelé est la juxtaposition de teintes voisines. Avec la pratique, le peintre passe d'un modelé grossier à un modelé subtile.
>> Je veux plus de conseils peinture !
Au programme de ce lundi matin .. du dailypainting avec un focus sur le modelé !

Le modelé est le procédé d'imitation des volumes. En dessin, le modelé est réalisé par des hachures ou dégradés et en peinture avec les touches.

Un maître prouve tout aussi bien sa science du modelé dans l'oeuvre la plus rapidement exécutée par des valeurs pour ainsi dire entrechoquée les unes contres les autres, que dans le travail le plus achevé.
Félix Bracquemond

En d'autres termes, un peintre doit être capable de produire des modelés synthétiques et subtiles.


>> Retrouvez moi en cours pour apprendre à peindre des modelés de caractère !

La sagesse du jour :

Une bonne peinture a une certaine austérité, une élégance, que ce soit dans le sujet, le traitement de la lumière, la couleur, ou l'arrangement. La simple imitation de la nature est insuffisante.
Frank Benson
Encore une formidable séance hier à l'atelier de modèle vivant ! De la peinture au programme, avec une pose unique de 2h.

C'est une Marion ravissante qui a pris la pose sur l'estrade. Sa pudeur, grâce et fragilité ont su toucher le peintre ... un moment de pure poésie.

Il y a 2 raisons majeures aux peintures ratées :
- La maladresse. L'adresse vient en pratiquant, la répétition entraîne l'assurance et la maîtrise.
- Peu/pas de conception. L'artiste doit réfléchir avant de peindre. L'objectif est moins de recopier (ou faire ressemblant) que de fabriquer une image intéressante. Cela implique d'avoir une intention et de faire des choix allant dans le sens de celle-ci.

Voici les 4 premières idées qui ont traversées mon cerveau avant de peindre : 

1 Wow, quel modèle ravissant !
No comment.

2 Quel sujet choisir ?
J'ai opté pour un plan américain (tête-mi-cuisses) et non l'ensemble du corps.

3 Quelle composition choisir ?
Un format étroit avec un cadrage ajusté valorise le sujet. Peindre sur papier me permet d'adapter le support au sujet et donc le retailler.

4 Quelle est mon intention ?
Le sujet est moins Marion que le filet de lumière sur la droite de son corps. Le sujet est indirect est donc moins littéral.

>> Retrouvez moi en cours pour croquer des tonnes de nus et progresser !

Avant de peindre, il faut savoir dessiner !
Pour ceux qui n'ont pas accès à mes cours, j'ai créé cet Ebook qui réunit tout ce qu'il faut savoir pour booster vos dessins !
Avant d'être un cuisinier, un professeur de cuisine est d'abord un excellent cuisinier.

Idem pour l'art. Avant d'enseigner, un prof d'art est un artiste compétent. Il a du savoir-faire qui lui permet de faire savoir. Sa compétence provient de sa pratique qui doit être active, évolutive et créative.

Active pour rester en mémoire vive et s'enrichir de mises à jour.
Créative parce qu'il est indispensable d'avoir de nouvelles idées pour faire évoluer sa pratique.

Nombreux sont les artistes qui produisent toujours la même chose.
Pour de multiples (et mauvaises) raisons comme la raison financière (ça se vend, alors je ne peins que ça = je peins pour les autres) ou souvent par paresse (j'ai trouvé un système et suis trop paresseux pour un chercher d'autres).


Pour l'élève, la démo est le meilleur moyen pédagogique pour apprendre. Tout est là, de la présentation du matériel jusqu'à la finalisation de la peinture.
Bien entendu, la démonstration doit pouvoir être commentée pour clarifier et expliciter verbalement décisions ou gestes.
La démonstration assoit la légitimité du professeur et atteste de sa maîtrise et savoir-faire.

Il y a tellement d'imposteurs dans ce milieu dont les diplômes ne justifient rien.
Un professeur doit exceller dans la réalisations des exercices qu'il donne.
Exigez de votre prof des démos (commentées) ... ou changez de prof !

Le rouge m'a toujours fasciné.
Avec son fort pouvoir chromatique, cette couleur véhicule de nombreux symboles, parfois contradictoires, tels que la passion, la sensualité, l'amour, le danger, le sang, la colère, l'interdit (hmmm !), la chaleur, le bonheur (pour les chinois) ....

La couleur fait partie des composantes les plus importantes du langage visuel. Bien utilisée, elle est vectrice de beauté, mal utilisée elle produit la laideur.
Il s'agit donc de l'utiliser avec sensibilité et intelligence.

Dans mon sketchbook today, un autoportrait hurlant .. en rouge bien sûr !



>> Retrouvez moi en cours pour vous sensibiliser à la couleur !

Les 4 réflexions du jour :

Parce qu'un artiste travaille avec son cerveau, voici une sélection de 5 réflexions de génies au sujet de la couleur à méditer :
1 La couleur n'est belle que quand elle a un sens. Robert Henri
La couleur n’est rien si elle n’est pas convenable au sujet et si elle n’augmente pas l’effet du tableau par l’imagination. Delacroix
3 La beauté n'est pas dans les couleurs mais leur harmonie. Marcel Proust
4 A 20 ans, on voit la vie en rose. A 60 ans, on voit la vie en arthrose.
>> C'est décidé, je me mets à la peinture !