50 nuances de verts !

Comment mieux peindre les verts ?
Comment peindre l'illusion de profondeur ?
Comment peindre la texture des végétaux, les nuages, le ciel ?

Cette semaine à la Drawing Factory, je t'apprends à peindre les paysages !


>> Retrouvez moi en stages PAYSAGES près de chez vous !


La Drawing Factory, c'est quoi ?

- 1 exercice dessin ou peinture chaque semaine

- Toutes les indications techniques nécessaires pour travailler à la maison

- Tous les niveaux sont les bienvenus

- Analyse personnalisée de tes créations

- Rejoindre une communauté de passionnés

Le bon matériel, les étapes, les conseils ... TOUT pour progresser chez soi pour un tarif imbattable, 15e/mois

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Youpi ! Une nouvelle video !



Paysage, modèle vivant, copie .... Je livre une série de conseils de pro dans cette nouvelle video !


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Poses de 45 min !

Mélodie a pris la pose sur l'estrade de l'atelier de modèle vivant du mercredi. Au programme 3 poses de 45 minutes.

A quoi sert la séance de modèle vivant ?
La séance de modèle vivant est incontestablement le meilleur exercice pour progresser parce qu'elle concentre toutes les problématiques liées à la représentation (composition, intention, proportions, modelé, valeurs, formes, couleurs, etc.)
 
Les temps de pose (très courts) : En France, j'observe que la plupart des ateliers de modèle vivant proposent des temps de poses oscillant entre 1 et 15-20 minutes.

Observation :
Avec des temps de pose aussi brefs difficile de :
- Construire et développer son dessin
- Travailler avec autre chose que de la ligne et du crayon graphite
- Le résultat s'apparente bien souvent à des gribouillis qui finissent à la poubelle

45 MINUTES ! Et pas une seconde de plus !!
45 minutes est un temps de pose permettant :
- D'éduquer son regard (proportions, valorisation)
- De réfléchir à sa représentation
- De corriger les erreurs
- De nuancer, détailler
- D'utiliser d'autres techniques comme le fusain, voire la peinture

Le fusain :
Connu mais malheureusement peu voire plus enseigné en France, la technique du fusain permet d'obtenir :
- Une représentation entre le graphisme (traits) et le pictural (masses)
- Des nuances de gris allant du léger au noir profond
- Des fondus délicats et/ou des hachures dynamiques

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La masse sombre à droite créé un contraste pour mettre en avant le visage.
Je l'ai délibérément dessiner plus noire que la chevelure pour que le visage devienne le point focal du dessin.

Détails

Retournement de situation !
2e pose de 30 min avec Mélanie telle une divinité grecque.
Les poses de dos sont magnifiques à travers leur énigme et, bien sûr, leur sensualité !

J'ai choisi le fessier comme point focal, avec plus de détails et de contrastes,
tandis que le haut du corps a été légèrement esquissé.
Faire ressortir une partie donne de l'intention à la représentation !

Au poil !

La copie est un exercice incontournable dans l'apprentissage. Bien plus qu'un simple travail de reproduction, copier l'excellence permet à l'élève de cultiver le bon goût et de se former un style. 

Grâce à la copie, l'élève apprend à regarder la nature à travers les yeux des maîtres et il verra non seulement comment un peintre à fait une certaine chose mais aussi pourquoi.

Au programme cette semaine à la Drawing Factory, je vous apprend à peindre le profil de ce magnifique vieillard :

Comment peindre la couleur chair ?

Comment rendre le modelé ?

Comment peindre le roux, les cheveux ?

Etc.

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 Peinture et triceps !

Après la jolie Anna, c'est un nouveau modèle, Mélodie, qui a pris la pose hier sur l'estrade de l'atelier de modèle vivant du mercredi.

Comme toujours, la séance fut merveilleuse avec une Mélodie inspirante, un groupe d'élèves studieux et sympathiques, une musique discrète et douce aux oreilles.

>> Retrouvez moi en juin 2023 à Paris pour le prochain stage sur le portrait !


20x30 cm

Flamboyante !


Au programme cette semaine à la Drawing Factory, je vous apprend à peindre le profil de cette fillette très rousse :
Comment peindre la couleur chair ?
Comment rendre le modelé ?
Comment peindre le roux, les cheveux ?
Etc.


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 Attention, ça pique les yeux !

La première condition pour progresser en peinture est de ... pratiquer. Et pratiquer fréquemment ! Pratiquer fréquemment, c'est répète les constituants de la peinture, comme par exemple :
Quel sujet ?
Quelle composition ?
Quel focus ?
Quel fond ?
Quelle touche ?

>> Retrouves moi en stages pour TOUT savoir sur le dailypainting !

Quantité ! Si l'on peint une seule peinture dans le mois, on se pose qu'une seule fois ces questions. Mais si l'on peint 15 peintures dans le mois, on se les pose 15 fois ! On fait bien ce que l'on connait bien. Une pratique fréquente fait rentrer le métier. La répétition des procédés permet leur automatisation, et l'artiste cherche moins et trouve plus rapidement.

A l'inverse, pratiquer trop peu souvent, c'est oublier la peinture précédente et avoir l'impression de repartir à zéro à chaque nouvelle peinture. Sans répétition, pas d'imprégnation de mémoire.
C'est en forgeant qu'on devient forgeron !


Ainsi je recommande la pratique du dailypainting. Comme son nom l'indique, le dailypainting, c'est réaliser une peinture par jour. Cette cadence (infernale) est vertueuse puisqu'elle permet à l'artiste de progresser rapidement grâce à la répétition et donc la multiplication des peintures.

Dans le cadre d'un cours particulier hier, j'ai initié mon élève au dailypainting via une peinture de nature morte. Après avoir disposé 2 oignons dans une shadow box, j'ai explicité les 3 étapes clé :

>> A lire ! Mes conseils sur la nature morte !

Step 1 : le croquis, soit la schématisation des formes !

Step 2 : Mise en place des demi-teintes !


Step 3 : Ajout des nuances et détails !

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Nous voilà mi février et la production picturale a été intense et variée depuis le début du mois ! Une petite review s'impose !



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Anna en rouge, pose de 90 min





C'est la jolie Anna qui a pris la pose hier sur l'estrade de l'atelier de modèle vivant du mercredi, altière avec son coup gracile, sa gorge nue, et majestueusement parée de rouge.

Comme toujours, la séance fut délicieuse avec une Anna inspirante, un groupe d'élèves studieux et sympathiques, une musique discrète et douce aux oreilles. 

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Technique : J'ai opté pour de l'acrylique, technique que j'aime de plus en plus, pour sa capacité de superposition. D'abord transparente parce que diluée avec un peu d'eau, les couleurs s'opacifient et se s'affirment touche après touche, au fil de l'avancée de la peinture.

En outre, l'acrylique est ultra simple d'utilisation, puisqu'elle se travaille sur une simple feuille de papier.
Non nocive, elle ne requiert pas de solvant, mais se travaille à l'eau.

Artistes et modèle au travail !


Couleurs : Evidemment, la force de cette peinture tient beaucoup au drapé rouge, couleur de loin la plus intense. L'imprimature beige du support apporte en outre de la douceur à l'ensemble.
J'ai subtilement ajouté des couleurs complémentaires dans les zones d'ombre. Attention, celles-ci doivent être désaturées, soit des gris colorés.

Composition :  La composition pyramidale apporte du dynamisme avec notamment sa grande diagonale, et la tête comme centre d'intérêt, point focal de la peinture.

Non finito :  Le visage est valorisé par le traitement esquissé du drapé, de la poitrine, ainsi que du chignon.

Touche : La touche est l'écriture du peintre, c'est un univers à elle seule. J'aime que la touche soit à la fois fondue et présente, un équilibre entre force et douceur, à la fois masculine et féminine, entre affirmation et retenue.

Détails. Mèches dansantes et joli minois ..

Barbe bleue au menu cette semaine !



Au programme cette semaine à la Drawing Factory, on joue avec les couleurs complémentaires et les contrastes en général !

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Nous voilà mi février et la production picturale a été intense et variée depuis le début du mois ! Une petite review s'impose !


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Pendant les vacances scolaires, j'anime un atelier libre de modèle vivant, à l'Association des Artistes Lorrains à Nancy.

Durant 4 séances, de magnifiques modèles prennent la pose sur l'estrade de l'atelier... 12 heures de bonheur !

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Travailler d'après nature est incontournable si l'on souhaite progresser significativement. La pratique du modèle vivant permet de développer : 

- La justesse. En comparant le modèle et sa représentation.
- La capacité de synthèse. Savoir simplifier est peut être la moitié de l'apprentissage artistique
- La gestuelle pour des réalisations plus vivantes
- L'adaptation à l'échelle et au recul
- Passer de 3D à 2D
- L'optimisation de la composition ou comment bien investir son support
- L'adaptation à un temps imparti. Quand c'est 30 min de pose, c'est pas une minute de plus !
- L'adaptation à différents modèles. Grand, gros, athlétique, vieux .... il faut chercher l'intérêt dans le modèle et non l'inverse !



Découvrez ci dessous les productions au jour le jour, agrémentées de réflexions, parce que l'artiste peint avec son cerveau :


Muse et artistes au travail !

1e séance hier avec Anna sur l'estrade.
30 min de pose durant lesquelles je me suis perdu dans les innombrables et délectables boucles de sa chevelure brune ... quel graphisme fascinant !


Chaque jour, les modèles alternent poses courtes et poses longues.
Les poses courtes permettent de dessiner et les poses longues de peindre.
Durant la 2e séance, la muse Alexandra nous a envoûté durant 2h, enveloppée d'un écrin rouge ... 


Alexandra, acrylique sur papier
Le bon côté quand on peint à l'acrylique, c'est qu'on peut superposer à volonté parce que la peinture sèche presqu'instantanément ...
Mais le mauvais côté est qu'il faut mélanger sur la palette toutes les couleurs présentes sur la peinture.
Contrairement à l'huile qui reste fraiche, il est impossible de mélanger les couleurs sur la palette ET sur la toile. En d'autres termes, s'il y a 100 couleurs sur la peinture, il faut effectuer 100 mélanges ... si on trouve celles-ci en une fois !!


Florence, 30 min
Un dessin est une fusion entre le modèle et l'artiste. La part la plus importante est accordée au modèle, à sa vérité. L'artiste occupe l'autre part avec son interprétation, soit sa vision, ses décisions comme son graphisme, sa composition, ce qu'il choisit de dessiner, de suggérer ou de supprimer.

La ressemblance avec le modèle est indispensable mais insuffisante pour faire un bon dessin.
Une autre dimension doit s'additionner à la ressemblance comme plus-value.
C'est cette dimension supplémentaire qui donnera de l'intérêt pour le portrait, au spectateur qui ne connait pas le modèle. C'est le spectateur qui termine l'œuvre.

On dit qu’un sujet est vu en raccourci, lorsque l’on ne lui voit pas toute sa longueur.
Plutôt que d’être placées les unes à côté des autres dans la longueur, ses parties sont placées les unes derrière les autres.

Pour maitriser les raccourcis, il est impératif d'oublier le sens de ce que l'on dessine. Ainsi l'on peut mieux estimer les distances entre les parties.

Dernière séance avec le très expressif David à la pose, 30 min

On ne se lassera jamais de le dessiner !

 

Rdv à la Drawing Factory cette semaine, on explore le fusain avec du portrait expressif !

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Merveilleuse séance avec Maryline Monroe à la pose ! 


PANNE DE VOITURE !!!
Hier, la séance hebdomadaire de modèle vivant était sur le point de débuter quand mon téléphone sonne, et le modèle prévu pour poser m'annonce que sa voiture ne démarre pas et ne peut pas venir ...
Heureusement, Annie, une élève du cours, a eu la gentillesse de monter sur l'estrade et s'improviser muse pour le plus grand bonheur de tous ... merci Annie, tu as sauvé la séance :)


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Cette séance a donc été chamboulé par le fait que le modèle n'ait pas pu venir. Mais tant mieux !
Déranger les habitudes, bousculer les automatismes a du bon, cela développe la capacité d'adaptation. Cela contrarie et fait sortir l'artiste de la zone de confort ... on fait un peu la grimace au début, mais, c'est une condition indispensable pour évoluer !

Les 5 erreurs du jour :

1 Travailler les détails trop tôt/trop de détails
Voir les détails c'est facile, voir les grandes formes est difficile. Or, face à l'œuvre, le spectateur voit d'abord l'ensemble PUIS les détails.
Solution : Je dessine toujours des grandes formes aux détails. Commencer par simplifier, puis complexifier. Les détails, c'est après et seulement/surtout dans la partie importante !

2 Dessiner sans intention préalable.
Léonard l’a écrit : l’art est d’abord Causa Mentale (=projet de l'esprit) Une réalisation pensée paraîtra plus claire et ciblée.
Solution : Je ne me précipite pas sur ma feuille mais commence par observer, analyser, réfléchir, décider :  Qu’est ce qui fait la singularité de la posture ? Qu’est ce qui mérite d’être mis en avant ? (= centre d'intérêt) Qu'est ce que je veux faire ? Une meilleure conception fera de meilleurs dessins !

3 Rêver au modèle "parfait"
Certains préfèrent les modèles masculins, d’autres féminins, certains préfèrent la maigreur, d’autres les rondeurs… conséquence : nombreuses sont les déceptions face au modèle. 
Solution : Le succès d’un dessin tient plus à l’artiste qu’au modèle/sujet. C’est mon job d'apporter beauté et intérêt pour le modèle et non l'inverse. Tous les sujets peuvent faire des œuvres magnifiques ! C'est la mise en scène qui fait l'œuvre et non la nature du sujet ! 

4 Des dessins parfaits
La perfection obsède trop souvent le débutant. Conséquences : blocages psychologiques, dessins trop petits, trop léchés, trop coincés, sans vie ! Il faut oser et arrêter les misérables "j'ose pas" !
Solution :  La qualité vient avec la quantité. Je privilégie les poses plutôt courtes (30 minutes).
Sans erreurs, on n'apprend pas ! De plus, faire 50 dessins, c'est se préoccuper 50 fois des proportions (par exemple). On numérote les réalisations et on enchaîne ! 

5 Ça y est, je sais dessiner !
Si l’assurance s’acquiert avec la pratique, on n'a jamais fini d'apprendre, on apprend toute sa vie.
Solution : Je tâche d’apprendre de mes erreurs. J'expérimente régulièrement de nouveaux procédés. Je reste humble.

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Beeelle, c'est un mot qu'on dirait inveenter pouuuur elle !




Cette semaine, on explore le fusain avec le portrait de cette jolie donzelle, à la Drawing Factory !

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The One and only David sur l'estrade !

J'adore les mercredis parce que c'est la séance hebdomadaire de modèle vivant ici à Nancy ! J'ai demandé au formidable David de prendre 2 poses et ai choisi de peindre à l'huile.... avaaaanti !

S'il s'agit d'un des meilleur exercice pour progresser, il faut reconnaitre que la séance de modèle vivant est contraignante. En effet, lors d’une séance, l’élève ne peut choisir ni le modèle, ni le point de vue, ni le temps imparti ... et son job est malgré tout de produire une représentation efficace !

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TOPO sur le modèle vivant :

Le modèle : 
Certains préfèrent les modèles tout en rondeurs à la Rubens, d’autres les corps maigre façon Schiele, certains se sentent inspirés par les poses lascives, d’autres par les poses dynamiques, etc.
Il y a autant de goûts que d’élèves et il est naturellement impossible de satisfaire les préférences de chacun. Et tant mieux ! Puisqu'en réalité, le modèle n’est qu’un prétexte pour peindre. Le but est justement de s'adapter au modèle (sujet) et chercher à produire une image efficace.

David, 90 min
Peindre la relation main/visage a été particulièrement intéressant 

Le point de vue et le recul :
En général, les points de vue sont distribués de façon aléatoire en début de séance.
Certains points de vue valorisent une posture, d'autres non. Dans le cas où celui-ci n’est pas très heureux, l’élève a la possibilité de ne représenter qu’une partie de la pose comme par exemple, un torse ou une tête.
L’élève peut aussi se voir attribuer un point de vue plus ou moins proche du modèle. Il s’agit donc d’adapter l’échelle de sa représentation en fonction du recul que l’on a du modèle : par exemple, plus on s'éloigne, plus on réduit la taille de son dessin.


Le temps de pose :
La durée des poses est variable et oscille généralement de quelques minutes à 3 heures. (Il peut arriver aussi qu’une pose dure plusieurs séances). Le temps de pose est certainement la contrainte la plus importante de la séance de modèle vivant. Il s’agit pour l’élève de bien gérer le temps imparti en organisant sa représentation. Un temps imparti stresse l’élève à travailler plus rapidement (décisions, gestes), soit gagner en efficacité.

Peu de temps ? Pas grave, on peint seulment une partie du modèle !
David, 40 min

Eviter par exemple de s'engager dans une représentation trop complexe quand le temps de pose est insuffisant. Pour cela, il s'agit d'estimer la durée de réalisation de son dessin. Le temps de réalisation comprend la vitesse d'exécution de l'artiste, la complexité et le degré de finition de la représentation.


Conclusion : 
Il est important d’intégrer que dans l’apprentissage les contraintes sont formatrices ! Un élève capable de se libérer d’une contrainte est un élève qui progresse. En revanche, un élève bloqué par une contrainte aura des difficultés à avancer.
La séance de modèle vivant sensibilise donc l'artiste au choix d'un sujet, à sa valorisation et donne un coup de boost à sa technique avec le temps de travail limité.
Il permet aussi d'expérimenter pour développer le champ des possibilités et gagner en créativité.

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Côôôôt !

Le lundi, on peint les modèles à plumes, et le mercredi on passe aux modèles à poils !
Au programme cette semaine à la Drawing Factory, on apprend à peindre cette jolie rousse !

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