Après la démo d'une copie de maître exécutée la semaine dernière, j'ai repris les brosses pour une 2e démonstration ce dimanche au salon des Artistes Lorrains.

Pour accompagner le conférence d'Armelle Brahy sur la thématique du street art, j'ai opté pour un portrait alla prima d'un artiste majeur de ce courant, Jean Michel Basquiat.

Avec un temps imparti d'1h15 soit la durée de la conf', il s'agit de ne pas traîner ... et avec tout ce monde derrière, pas le droit à l'erreur.
Avanti !

Basquiat, démo d'1h15 !

En plus de faire la promo de mes cours de dessin&peinture, je réalise fréquemment des démos parce cela doit faire parti de l'arsenal pédagogique de l'enseignant. Rien de plus formateur pour l'élève que de voir le cheminement d'une oeuvre du début à la fin.
Un prof doit pouvoir faire des démos (commentées et convaincantes).

Ce type de peinture fait parti des exercices que l'on pratique en cours. Travailler aussi rapidement nécessite de peindre fréquemment avec un temps imparti et avec une recherche de justesse.
Mon rôle de prof est d'apporter un éclairage sur les constituants de la peinture (dessin, matériel, processus, composition, mélanges, touche, etc.)

>> Rejoignez moi pour booster enfin votre pratique de la peinture !

Samedi, j'ai donné rdv à mes élèves du cours dirigé au jardin du Luxembourg pour une après-midi carnets de croquis !

Paris regorge de jardins somptueux et avec le retour des beaux jours, ces sorties sont à chaque fois que du bonheur !

En plus d'être maladroit, en plus d'être bourré de mauvaises habitudes, la pratique artistique du débutant n'est pas structurée et part dans tous les sens. Cela entraîne fatalement frustration et désespoir.

Apprendre à dessiner, c'est commencer par comprendre que dessiner ne s'improvise pas. Que l'artiste ne se laisse pas porté par l'inspiration ou autres mythes romantiques. Q'une pratique s'améliore, que l'artiste enrichit son savoir par la recherche et parvient à la maîtrise par la répétition.


On fait bien ce que l'on connait bien. Mon rôle de professeur est d'éclairer sur les constitutifs d'une image, d'une technique, d'un sujet, d'une pratique.
- Comment mieux choisir ses sujets ?
- Quel recul prendre par rapport au sujet ?
- Comment améliorer sa composition ?
- Quel matériel choisir ?
- etc.

L'analyse des différents paramètres permet de constituer un système de représentation. Travailler à partir d'un système permet de savoir ce que l'on fait et où l'on va. Ainsi, l'artiste expérimenté n'improvise pas. Il sait à l'avance où il met les pieds. L'exercice fréquent permet de parvenir à la maîtrise.

>> Retrouvez moi en cours pour enrichir votre pratique artistique !


Tous les sujets, toutes les techniques, retrouvez moi en cours, en stages pour booster votre art !
L'été approche à grands pas et les stages de plein air aussi !

Peindre des paysages into the wild, c'est du pur bonheur pour celui qui aime être en communion avec la nature.
Cela dit, cette pratique n'est pas tout à fait de tout repos : Kilomètres à parcourir dans la fournaise, coups de soleil, lumière aveuglante, piqûres de moustiques, d'orties ou de barbelés, matériel lourd à trimbaler ... c'est sûr, le plein air, c'est du sport !

Quand dans l'atelier, tout est à peu près sous contrôle, à l'extérieur les problèmes se multiplient. Peindre en plein air nécessite donc une bonne dose de volonté et une solide préparation !


>> Retrouvez moi cet été pour peindre de magnifiques paysages !

Les 10 conseils plein air du jour :

Voici une nouvelle série de conseils pour préparer au mieux les paysages d'été :
1 Prendre fréquemment du recul pour une vue d'ensemble. Apprendre à voir l'ensemble. Tous les éléments d'une œuvre doivent travailler en harmonie et soutenir l'ensemble.
2 Ne jamais laisser sciemment quelque chose de mauvais sur le support à peindre.
3 On apprend beaucoup plus de des échecs que des succès.
4 Une interprétation honnête du sujet est bien meilleure que la copie du style d'un autre artiste.
5 Ce que vous peignez est moins important que comment vous le peignez.
Se préoccuper plus du processus (des étapes) que de l'aspect fini de la peinture !

6 Finaliser une peinture, c'est moins chipoter sur les détails que de renforcer l'intention.
7 La créativité vient de la curiosité et du mécontentement.
8 Si toutes les parties de la peinture se valent, alors aucune partie n'a d'importance.
9 L'important se trouve moins dans ce que vous ajoutez que dans ce que vous supprimez.
10 Assurez-vous que chaque élément de la peinture a un but.

>> Je veux plus de conseils sur le paysage !


Dans l'art, est beau uniquement ce qui a du caractère. Je me répète souvent cette pensée du grand Rodin.

Mais alors comment donner beaucoup de caractère à un dessin ?
- Dans l'assurance et l'énergie du tracé. Pour l'obtenir, il faut énormément dessiner. De la répétition vient l'assurance.
Pour  un dessin plein d'énergie, il faut travailler rapidement, soit avec des temps de poses plutôt courts.
- Dans une composition puissante. Finis les dessins tous petits dans la feuille. Dessiner grand !
- Dans la synthèse. La simplification apporte de la force au dessin. La préciosité la diminue.
- Dans une intention claire. Faire un dessin commence par avoir une idée.
- Dans les contrastes. Préférer le noir du fusain au gris terne du graphite !
- Dans l'expressivité des formes. Privilégiez les formes variées, les diagonales, éviter la symétrie.

Le dessin ci-dessus (Charlotte, 35 min) a été exécuté sur papier blanc. Ce papier est difficile à contrôler, sachant qu'une erreur laisse une trace. Dessiner sur ce type de papier permet de développer l'assurance du geste. Pas le droit à l'erreur !

>> Retrouvez moi en stage cet été pour donner du caractère à vos dessins !

Pour le grand artiste, tout dans la Nature offre du caractère : car l’intransigeante franchise de son observation pénètre le sens caché de toute chose. Rodin

Dans le cadre du modèle vivant, le modèle, la pose, le point de vue et le temps de pose sont imposés. Il s'agit d'extraire de ces (lourdes) contraintes du caractère.

Conseil : 
Dans le cas où la pose n'est pas satisfaisante (d'un certain point de vue), il est préférable de ne pas tout dessiner. 

Pourquoi tout dessiner ? Dans les dessins ci-dessus, j'ai choisi de ne pas dessiner les bras pour mieux se focaliser sur le torse et la tête en particulier.


C'est Amarin qui a pris la pose hier sur l'estrade du cours dirigé. Amarin est un habitué du cours et les élèves et moi avons croqué sa barbe et son air mélancolique de nombreuses fois.

Au programme, une série de poses de 35 min parce que c'est tout simplement le meilleur exercice pour progresser.
Entre chaque pose, une critique est donnée à chaque dessin permettant ainsi à l'élève de mieux progresser :
- Faut il tout dessiner ?
- Comment mieux composer son dessin ?
- Comment obtenir de belles hachures ?
- Comment rendre son dessin moins littéral ?
- Comment aller au delà de la copie ?
- Comment ne pas être pris par le temps imparti ?
...
>> Retrouvez moi en stage en juillet pour tout savoir sur le modèle vivant !

Les 10 conseils du jour :

1 Commencer un dessin sans intention, c'est s'assurer de faire un dessin inintéressant.
2 Valeurs, hachures, espacements, formes .... tout varier !
3 L'art commence quand s'arrête la copie.
4 Les détails doivent être justifiés.
5 Un dessin descriptif est souvent ennuyeux.
>> Je veux d'autres conseils dessin !


6 Essayer d'incorporer du mystère au dessin.
7 La simplicité est élégante.
8 Pourquoi tout dessiner ? Tout n'est pas intéressant à dessiner !
9 La séance de modèle vivant, c'est se demander comment faire du modèle une image intéressante.
10 Un dessin commence par une intention. Prendre plus de temps à la conception du dessin.
>> Help! Je ne sais pas quoi dessiner !


L'excellence est un art que l'on atteint que par l'exercice constant. Nous sommes ce que nous faisons de manière répétée. L'excellence n'est donc pas une action mais une habitude. Aristote

Vous étiez (très) nombreux à assister à la démonstration exécutée dans le cadre du salon des Artistes Lorrains .. merci à tous pour votre attention et enthousiasme, c'est toujours un grand plaisir pour moi de partager ma passion pour l'art !

Après la démo, série de questions/réponses :
Comment progresser ? Quelle fréquence de pratique ? Comment développer son sens critique ? ...
  (merci Théo pour les photos) !

Un professeur fait des démonstrations (convaincantes).
Comme son nom l'indique, la démonstration démontre la compétence de celui qui la donne. Un professeur d'art est d'abord un artiste avec une pratique artistique active. Il connait donc très bien ce qu'il transmet et peut facilement le communiquer. La démo présente son exemplarité.

Démo commentée de 2h30 

Quel processus, comment mieux mélanger ? Comment fondre ? Comment superposer les couches ? ... tout est décortiqué !

Mieux apprendre.
Pour l'élève, la démonstration est de loin le meilleur outil pédagogique. Celle-ci réunit tout, procédés, matériel, gestuelle, commentaires, explications. La démo apporte un éclairage complet sur la réalisation d'une peinture.

>> Retrouvez moi en cours pour enrichir votre pratique artistique !
>> Retrouvez moi en stages cet été pour approfondir une thématique artistique !
L'enseignement est très (très) prenant et il n'est pas facile de trouver le temps pour sa pratique personnelle. Le mercredi est donc un jour particulièrement apprécié parce que je peux m'accorder une séance de modèle vivant.
>> Retrouvez moi en cours pour enrichir votre pratique artistique !

Après avoir posé pour un portrait tout en boucles, Marie est revenue prendre la pose sur l'estrade de l'atelier.
Au programme, 3 poses de 40 minutes avec pour commencer un magnifique déhanché ...

Un déhanché est un mouvement anatomique du bassin par lequel une personne procède à une torsion de sa colonne vertébrale pour rendre saillantes ses hanches le long de ses flancs.

Quel bonheur de dessiner ce joli déhanché, l’asymétrie des hanches, le creux des lombaires, le renflement des fessiers, les fossettes malicieuses ... chaque courbe est un enchantement !

>> Poses de repos, poses en tension, déhanché, dos musclé, nuque sensuelle ... retrouvez moi en juillet pour un croquage intensif de nu !

Les conseils dessin du jour :

La séance de modèle vivant est certainement le meilleur exercice pour apprendre à dessiner/peindre puisqu'il est le plus contraignant. Temps de pose limité, pose et modèle imposé, point de vue et recul aléatoire, c'est en solutionnant toutes ces problématiques que l'élève va se former. 

Le temps de pose est sans doute la contrainte la plus importante de la séance de modèle vivant. L'élève doit apprendre à adapter sa représentation en fonction de la durée des poses. 

Un temps de pose court sert à synthétiser les informations visuelles alors qu'un temps de pose long favorise une représentation approfondie.

De plus, un temps de pose plutôt court permet de gagner en efficacité. Avec la pratique, l'élève va ainsi faire en 1 heure ce qu'il avait l'habitude de faire en 2h.

Composition double pour la 2e pose !



La question du jour : Quelles sont les erreurs les plus courantes du dessin avec modèle ?

1 Dessiner sans intention préalable.
Léonard l’a écrit : l’art est d’abord Causa Mentale. Un dessin pensé paraîtra plus clair et ciblé.
Solution : Je ne me précipite pas sur ma feuille mais commence par observer. Qu’est ce qui fait la singularité de la posture ? Qu’est ce qui mérite d’être mis en avant ? (= centre d'intérêt) Quel est mon projet ? Une meilleure conception fera de meilleurs dessins !

2  Les pieds ne tiennent pas dans la feuille
Un bon artiste doit savoir maîtriser sa composition. Si les jambes sont absentes, cela ne doit en aucun cas être par faute de place, mais c’est volontaire, c’est la décision de l’artiste.
Solution :  Je commence par la mise en place soit esquisser des repères avec la structure sous-jacente.

3 Ignorer l'environnement de la figure
Si l’environnement n’apparait pas, la figure donne l’impression de "flotter" dans l'espace et cela quand bien même elle serait bien exécutée. 
Solution : J’inclus un peu de l'environnement dans le dessin. Une arrête de mur ou une ombre suffisent à ancrer la figure au sol ou signifier l'espace environnant le modèle. 

4 Travailler les détails trop tôt/trop de détails
Il est plus facile d’observer les détails que de voir les grandes formes. Trop de débutants commencent leur figure en dessinant la tête alors que celle-ci ne représente que 12 à 13 % de la taille totale d’un adulte. 
Solution : Je dessine toujours des grandes formes aux détails. Je ne commence pas à construire une maison en peignant les volets en bleu mais par la mise en place des fondations. Michel-Ange commençait ses figures par le torse.  

5 Rêver au modèle "parfait"
Certains préfèrent les modèles masculins, d’autres féminins, certains préfèrent la maigreur, d’autres les rondeurs… conséquence : nombreuses sont les déceptions face au modèle. 
Solution : Le succès d’un dessin tient plus à l’artiste qu’au modèle. C’est mon job d'apporter beauté et intérêt pour le modèle et non l'inverse.
Relire Erreur # 1. 

Le modèle vivant est le meilleur exercice pour progresser en dessin ... et comme le dessin constitue au moins la moitié de la peinture, il est incontournable pour progresser en peinture !

6 Passer trop de temps sur les mains et les pieds/ne pas oser dessiner la tête 
Rappelez-vous, les grandes formes en premier, les détails après. Les mains, les pieds et le visage sont des concentrés de petits détails qui terrifient le débutant.
Solution : Je tâche d’apprendre à simplifier et à suggérer les formes. Par exemple, je ne dessine pas chaque doigt l'un après l'autre mais commence par dessiner des mains palmées. 
Une grande œuvre d'art est comme une chaîne: chaque maillon doit être maîtrisé. Des pieds négligés vont affaiblir l'ensemble du travail.

7 Des dessins parfaits 
La perfection obsède trop souvent le débutant. Conséquences : blocages psychologiques, dessins trop petits, trop léchés … trop coincés ! 
Solution :  La qualité viendra avec la quantité. Je privilégie les poses rapides ou les temps impartis courts. Faire 10 dessins, c'est se préoccupé 10 fois de la composition par exemple. Se préocuuper plus du processus que de l'aspect fini. On enchaîne !
>> Je veux plus de conseils dessin !

8 Ça y est, je sais dessiner !
Si l’assurance s’acquiert à force de travail, on atteint jamais un stade où l’on sait « bien dessiner ». La pratique du dessin est évolutive, c’est le travail, la recherche d’une vie.
Solution : Je garde mon esprit ouvert aux idées nouvelles, je tâche d’apprendre de mes erreurs. Je m'exerce régulièrement, j’expérimente et je reste humble.
>> Help, je ne sais pas quoi dessiner !
C'est David qui a pris la pose hier sur l'estrade du cours dirigé dessin/peinture. Entre 2 conseils, j'ai dégainé les fusains pour faire un petit dessin de 40 min.

Au programme pose longue en peinture pour les élèves. Pour ma part, mon rôle d'enseignant est d'éclairer, d'expliquer, de décortiquer, de démontrer ... Absolument tout est passé en revue :
- Quel matériel de peinture choisir ?
- Comment mieux choisir son sujet ?
- Comment améliorer ses compositions ?
- A quelle échelle travailler ?
- Par quoi commencer ?
- Comment mélanger la couleur chair ?
- Comment varier les touches et pourquoi ?
- Comment travailler plus méthodiquement ?
...

Parce que progresser passe par l'exercice fréquent et mieux savoir répondre à ces questions !

>> Retrouver moi en juillet en stage de modèle vivant et tout savoir sur le nu !

Les 6 conseils du jour :

1 Plus on en fait de croquis, mieux on les fait. On ne progresse pas en faisant un dessin de temps en temps d'après photo. Il s'agit de s'exercer fréquemment, de s'attacher au processus, de travailler le plus possible d'après nature. Il n'y a pas d'alternative.
2 Bien connaitre son matériel graphique et autres constitutifs. Le débutant travaille invariablement avec peu ou beaucoup de temps, sur petit ou grand format, avec peu ou beaucoup de recul, avec support lisse ou texturé, etc ... L'artiste expérimenté sait s'adapter aux circonstances pour mieux les dominer.
3 Simplifier ! Trop de détails peut entraîner confusion, préciosité et littéral, alors que la simplification amène puissance et élégance. Se demander non pas quoi ajouter, mais quoi éliminer.
4 Passer plus de temps à observer le modèle. Remarquer avant de dessiner pour ne pas passer à côté de sa singularité. Mieux observer, c'est mieux dessiner !


5 Anticiper ! Un dessin commence avant de saisir le crayon par une observation analytique et sensible du modèle, de laquelle découle une intention et la prise d'un certain nombre de décisions. Une bonne représentation est pensée. Avoir l'esprit vide quand on dessine garantit un dessin vide d'intérêt !
6 Il y a une différence de taille entre un dessin juste et un bon dessin. Savoir restituer la justesse est indispensable mais insuffisant. 
>> Help je ne sais pas quoi dessiner !


 On fait bien ce que l'on connait bien. Nombreux sont les impatients qui veulent des résultats prématurément. Cet état d'esprit entraîne frustration et désespérance. On ne fait pas une sonate de piano après 2 ou 3 leçons. C'est pareil pour le dessin ou la peinture.  Le plaisir doit se trouver d'abord dans la pratique et non dans le joli dessin ... pas de progression avant une centaine de David !

La citation du jour :

Le dessin n’est pas ce que l’on voit, mais ce qu’il faut faire voir aux autres.
Degas
De retour en Lorraine après mon weekend d'enseignement hebdomadaire à Paris !

Il fait beau, il fait chaud, la nature est belle, lumineuse et colorée ... impossible de ne pas s'y perdre et peindre un paysage ... sans oublier la crème solaire !

J'anime plusieurs stages de plein air cet été, l'occasion d'enrichir son savoir et mieux répondre aux problématiques du paysage en particulier et de la peinture en général :
- Comment mieux choisir ses sujets ?
- Comment mieux composer ?
- Comment mieux choisir son matériel ?
- Comment faire des paysages plus expressifs ?
- Comment mieux mélanger ses verts et ses couleurs en général ?
- Comment mieux créer l’illusion de profondeur dans mes paysages ?
...


>> Rejoignez moi cet été pour tout savoir sur la peinture en plein air !

Les conseils plein air et en vrac du jour :

1 Apprenez à peindre avec une palette limitée et maîtrisez toutes les combinaisons possibles. Ajoutez des couleurs uniquement lorsque vous en avez besoin.
2 La nature offre une combinaison d'ordre de de désordre. Varier tout pour un aspect plus naturel.
3 Le bon état d'esprit est de peindre pour l'exercice et non pour le chef d'oeuvre. L'important est surtout de maîtriser un processus plutôt qu'une peinture "finie."

4 Considérez chaque partie de la peinture dans son ensemble, afin de présenter une composition plus puissante et plus intentionnelle.
5 Le centre d'intérêt est réaliste, le cercle autour est impressionniste, et le cercle encore autour est abstrait !
6 Ne jamais oublier : Grosses brosses d'abord, du grand vers le petit, accentuer à la fin, adoucir certains bords, prendre son temps.
7 Les sujets sont autour de vous. Ne pas chercher la carte postale. On peint bien ce que l'on connait bien.

Et zou, une 2e peinture !

8 Avoir une intention claire avant de peindre. Si la tête est vide avant de peindre, la peinture le sera aussi.
9 Quand vous choisissez votre sujet, posez-vous les questions suivantes: Qu'est-ce qui m'a attiré vers ce sujet? Est ce que cela peut il être traduit en peinture ? Le sujet comporte t'il un centre d'intérêt ? Comment puis-je orienter le regard vers ce centre d'intérêt ?
10 N'ayez pas peur de recomposer votre image avant de commencer. Penser en termes d'addition d'éléments mais surtout en termes de soustraction d'élément
>> Relire les 10 conseils sur le plein air précédant !

La citation du jour :

Donne moi un pommier dans un jardin de banlieue ; ça me suffit très bien ! Je n’ai nullement besoin des chutes du Niagara !
Renoir
Impossible de résister à un dos féminin, ce parcours si sensuel qui part du duvet de la nuque, contourne la saillie de l'omoplate, plonge dans le creux des lombaires, jusqu'aux fossettes du losange de Michaelis ... chaque courbe est un ravissement, chaque renflement est volupté ...

Marion est retournée sur l'estrade du cours aujourd'hui prendre une série de poses de 30 min et les fusains ont fumé !

Face au modèle, l'artiste se pose une série de questions telles que :
- Quel sujet choisir ?
- A quelle échelle dessiner ?
- Faut-il tout dessiner ?
- Comment obtenir un modelé efficace ?
- Comment obtenir une compo plus dynamique ?
- Dans quel sens faire les hachures ?
- Comment booster le caractère de mes dessins ?
- Etc.

>> Retrouvez moi en juillet pour croquer des nus durant 30 heures. 

Les 5 réflexions du jour :

Parce que l'artiste dessine avec son cerveau, voici une sélection de 5 réflexions émises durant l'exécution du fusain ci dessus :
1 Quand on fait 2 dessins, l'un est généralement meilleur que l'autre et cela peut importe le niveau de l'artiste, qu'il soit débutant ou virtuose.

 

2 L'évidence est (souvent) inintéressante. Se demander comment rendre la représentation moins littérale.
3 Plus on fait, mieux on fait. On fait bien ce que l'on connait bien. Chaque trait, chaque décision, chaque émotion gagne en sensibilité.
4 Il faut plus penser à l'anatomie du dessin, qu'à l'anatomie du modèle.
5 Le moindre trait sur le dessin doit être validé. Ne rien laisser d'indésirable.
>> Help ! Je ne sais pas quoi dessiner !

 

 
La collection de dos s'agrandit !

La citation du jour :

L'art commence là où la copie se termine
Oscar Wilde
C'est la jolie Marion qui a pris la pose ce mardi sur l'estrade du cours dirigé. Impossible pour moi de résister à l'appel du dessin, alors j'ai sorti les fusains entre un conseil et une critique !

On n'apprend pas à peindre sans dessiner. Le dessin est essentiel, puisqu'il comprend les piliers d'une peinture avec notamment la composition, les formes, les valeurs, le centre d'intérêt.

Ainsi, en dessinant, l'artiste travaille activement sa peinture et progresse dans sa pratique picturale. A l'inverse, un dessin insuffisant affaiblit considérablement une peinture. La faiblesse du dessin est sans doute le problème le plus courant chez les peintres.

Ne négliger plus le dessin ! Mon rôle d'enseignant est d'apporter un éclairage sur les problèmes liés au dessin (et à la peinture).
- Quel sujet choisir ?
- A quelle échelle dessiner ?
- Comment obtenir des proportions justes ?
- Comment avoir un meilleur contrôle sur les formes ?
- Comment avoir des valeurs plus juste ?
- Comment obtenir un modelé plus subtile ?
- Comment avoir de meilleures hachures ?
- Comment avoir un dessin plus puissant ?
- Comment mieux gérer un temps imparti ?
...
Parce que progresser en dessin (et donc peinture) passe par savoir mieux répondre à ces questions. Rdv en stage en juillet pour apprendre à construire efficacement vos dessins :

>> Retrouvez moi en stage en juillet pour tout savoir sur le modèle vivant !



 Dans l'apprentissage, la fréquence de la pratique est capitale. Une première étape est de dessiner fréquemment. Combien de fois dois-je dessiner par semaine ? Réponse : le plus possible ! 
Evidemment la quantité ne fait pas la qualité. Dans un second temps, l'artiste va s'attacher à la conception, soi comme rendre une représentation intéressante.

Les 4 punchlines du jour :


1 Dessiner. Vous ne savez pas comment, si vous ne savez pas quoi et pourquoi.
2 L'art n'est pas de capturer les choses de la nature, l'art c'est capturer la nature des choses.
3 Aucun grand artiste n'a dessiner ce qu'il a vu (mais ce qu'il a pensé). Myron Barnstone
4 Les grands artistes pensent masses et composition. Les autres pensent détails.
>> Je veux plus de réflexions artistiques !