Dans l’apprentissage artistique, dessiner directement le modèle est indispensable. 

Pour pouvoir interpréter, pour faire dominer une idée poétique, pour développer son écriture, pour pouvoir s'exprimer pleinement.

Bien sûr, cette pratique est difficile. La maîtrise est longue à venir. Il faut dessiner encore et encore, inlassablement.
Tu n'y arrive pas ? ... Dessine encore !

Les impatients et autres flemmards recopient des photos. Cela se voit dans leurs réalisations. C'est statique, trop de détails ... ça sent mauvais la photo.

Le recopiage de photos est une impasse. On n'apprend peu/pas en recopiant des photos. Pire, la photo magnétise et rend l'artiste esclave de celle-ci.
La photo-copie n'est pas de l'art !

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Des élèves concentrés, travailleurs, les poses s’enchaînent, les réalisations se multiplient et la maîtrise vient progressivement !

Le prof est là pour guider, expliquer, clarifier, sensibiliser, faire des démos !


Mes 3 meilleurs conseils !
Le cours dirigé du mardi a commencé par une démo commentée avec Claire à la pose de 30 minutes.

Dans l'apprentissage, il n'y a pas de meilleur outil pédagogique que la démonstration. Celle-ci permet à l'élève d'avoir un éclairage complet sur la réalisation d'un dessin.

Bien sûr, la démo doit être commentée, soit accompagnée de commentaires.
Du début jusqu'à la fin. Quel sujet choisir, quel matériel, quel recul, quel cadrage, quid de la compo, du processus ? Quand est ce qu'un dessin est terminé ?

Comme son nom l'indique, la démo démontre le savoir-faire et donc la légitimité du prof. Son savoir repose sur sa pratique personnelle parce qu'avant d'être prof, il est artiste.
Un artiste a une personnalité complexe. Il compose des images comme des poèmes. La peinture est une poésie silencieuse et la poésie est de la peinture qui parle (Plutarque). Sa langue maternelle est le langage visuel. Il est un passionné en quête d'un idéal.

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Démo commentée de Claire, 30 min

Comme à peu près tous les 2 jours depuis 10 ans, j'ai passé ce lundi matin à tester de nouveaux papiers, des crayons, des couleurs, des systèmes, pour optimiser, progresser, développer de nouvelles idées ... Ces tests nécessitent du temps, de l'argent, des prises de tête pas possible.

La vie d'artiste est la recherche perpétuelle d'un idéal, avec quelques succès, beaucoup d'échecs et d’innombrables ajustements ..
Nombreux sont les artistes qui renoncent à ces tests pourtant indispensables, préférant le confort de recettes toutes faites, à la frustration de ratés instructifs.

En peinture, c'est pareil. Comme pour le dessin, la peinture est une activité en partie artisanale. Le matériel est donc une donnée importante. Comment optimiser son support, avec quel apprêt, quel medium pour fondre, pour superposer, quelles brosses pour quels effets ?

Bien sûr, la recherche ne se limite pas au matériel. Elle concerne toutes les facettes de la pratique artistique, et tel un ingénieur, l'artiste doit réfléchir à de nouvelles pistes créatives (choix de sujets, manière de peindre).

Il trouvera ainsi de nouvelles idées et sa pratique sera évolutive et enrichie d'apports nouveaux et différents.

Le test du jour :


Le cours à l'atelier de Bastille a été annulé cette semaine à cause des grèves. J'ai décidé d'aller tester l'atelier libre que propose la Grande Chaumière les samedis après-midi. Plutôt déçu.

Le bon point : un lieu mythique patiné d'histoire agréable à voir.
Le(s) mauvais point(s) : Un éclairage déplorable. Le modèle est  éclairé frontalement avec la lumière en provenance de la verrière située devant lui. Impossible d'avoir des ombres, tout est donc plat.
20e la séance, un peu cher pour un atelier libre. 

La seule façon d'avoir un peu de contrastes est d'aller s'installer sur les côtés (... s'il y a de la place).
C'était un moment de grâce hier à l'atelier avec une sublime Valérie qui a pris la pose d'1h15. Après avoir peint son portrait, j'ai choisi de peindre son corps ... tout en courbes étourdissantes !

Voilà 10 ans que j'enseigne le modèle vivant. Des centaines de modèles ont déjà posé sur l'estrade et Valérie fait incontestablement partie des plus gracieux.

La peau laiteuse, la crinière noire et abondante, elle a habillé ses jambes de bas et peinte sa bouche en rouge passion ... wow quel spectacle, quelle muse, mama mia !




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Décryptage de la peinture en 5 points :
1 La couleur est le 1e sujet de cette peinture. On se rappelle la célèbre formule de Maurice Denis Se rappeler qu'un tableau - avant d'être un cheval de bataille, une femme nue, ou une quelconque anecdote - est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs en un certain ordre assemblées.
2 La composition est primordiale. La posture assise et recroquevillée m'a permis de faire rentrer la figure dans le format vertical. La diagonale tête-pied dynamise la peinture.
3 J'ai choisi une imprimature verte-grise pour souligner la vivacité des éléments rouges (bas et bouche).

1h15 de bonheur ... vivement la prochaine séance !

4 Le traitement inachevé du visage et des pieds permet de concentrer l'attention sur la zone buste-haut de la cuisse.
5 L’expressivité est présente à tous les niveaux : cadrage ajusté, éclairage dramatique, richesse des formes, complémentarité des couleurs.
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La citation du jour :

Color is only beautiful when it means something.
Robert Henri 
La clémentine, 12,5x30 cm, vendu

Ça sent bon, ça sent très bon dans l'atelier ce matin avec sur mon chevalet, l'étude d'une jolie clémentine juteuse et déshabillée !
Dans l'apprentissage, la nature morte est incontournable pour se sensibiliser à une pléthore de notions artistiques avec la composition en particulier.

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La réflexion du jour :

On croit généralement que le fini, est le précieux de l’exécution, la multiplicité et la minutie des détails. C’est ainsi que des amateurs ignorants qualifient de bien finie une œuvre qui en réalité serait à refaire, parce qu’ils voient des détails partout. Ce qu’il convient d’entendre par le fini, c’est l’unité d’une œuvre. Un tableau est bien fini quand toutes les valeurs concourent à un effet d’ensemble juste et que rien ne dénote. Une étude ou un tableau ne sont pas lâchés (insuffisants, mauvais, etc) parce qu’ils ne montrent pas de détails partout. Ils sont lâchés quand les valeurs ne sont pas justes, que le dessin n’en est pas correct quand on n’y sent pas la recherche d’un effet et d’une composition  savante (intention).
Ernest Hareux 

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Le step by step du jour :

Le processus est le cheminement de la peinture. Maîtriser son processus permet d'optimiser la réalisation de la peinture, soit ne pas se perdre dans les détails ou mieux savoir quand une peinture est terminée.

La citation du jour :

La simplicité est l’ultime sophistication.
Leonardo de Vinci

Le 1e trimestre du cours dirigé est consacré au dessin. Le dessin ou une certaine maîtrise de la forme est une base fondamentale. Bien sûr, dessiner ne se limite pas à la sensibilisation à la forme, cette pratique permet également de :
- Savoir mieux choisir ses sujets
- Optimiser ses compositions
- Rechercher son écriture graphique
- Avoir plus d'intention
- Etc.


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Une sélection des dessins de la semaine :

La justesse du dessin permet au portrait d'être ressemblant au modèle. Mais un portrait doit être plus que ça. C'est la plus-value à la ressemblance qui donnera tout l'intérêt au portrait et au réalisme en général.

 Planche composée dessinée dans le train pour Paris. Dessiner partout et tout le temps pour  s'accoutumer le plus possible au langage de l'artiste, soit le langage visuel !

Le modèle vivant est incontournable dans l'apprentissage artistique. Dessiner ou peindre la figure humaine concentre toutes les problématiques liées à la représentation ... à consommer sans modération !

La citation du jour :

On ne dessine jamais assez. Dessinez sans arrêt et soyez curieux !
Sargent
Savoir peindre directement le modèle avec justesse (formes, couleurs, valeurs) est de loin le meilleur exercice (technique) pour progresser en peinture.
Pour passer de la technique à l'art, il ne faut pas se contenter de peindre le sujet avec justesse. Il s'agit surtout de le rendre intéressant.

La couleur est un formidable vecteur de beauté. Il s'agit d'une des dimensions les plus importantes du langage visuel. Pour s'exercer à peindre les couleurs, je demande fréquemment aux modèles d'apporter des accessoires et vêtements colorés.
J'ai demandé à Charlotte, la muse du jour de se faire la bouche très rouge pour l'associer avec un fond vert complémentaire.

La bouche rouge, 21x30 cm, huile sur papier


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Les 6 conseils du jour :

1 Ne pas peindre des couleurs qui ne vont pas ensemble.
2 Le portrait peint nécessite une maîtrise du dessin préalable. Ne griller pas les étapes.
3 Bien connaitre son matériel pour mieux le dominer. Sinon c'est le matériel qui vous domine.
4 Varier la touche donne de la profondeur et de la subtilité à une peinture. Attention aux systématismes.
5 Si vous hiérarchisez les choses dans l'ordre de leur importance, vous n'aurez jamais aucun problème. Cette manie de pinailler avec les détails avant d’avoir correctement mis en place les masses est la raison d’une mauvaise peinture.
6 Ne pas peindre une pomme, peindre la pomme. Il s'agit de peindre la particularité du modèle (yeux, nez, bouche, cheveux, etc.) et non un visage générique.
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Le step by step du jour :

Maîtriser son processus permet à l'artiste d'avoir un max de contrôle sur la réalisation de la peinture. Ne pas avoir de processus, c'est se perdre dans les détails pour un résultat confus.

L'artiste et sa muse !

C'est une magnifique Marion qui a pris la pose hier mercredi à l'atelier de modèle vivant. Au programme, le meilleur exercice pour apprendre à dessiner (et peindre), une série de poses de 30 min, tout juste le temps de tracer les lignes sinueuses de son corps gracieux ...


Un déhanché qui donne le tournis ...

Le fusain est une technique graphique permettant d'obtenir des dessins très expressifs à travers notamment l'intensité des noirs. L'utilisation de l'estompe permet par ailleurs de rendre un modelé velouté et délicat.

Une sensibilisation au dessin est indispensable avant d'aborder la peinture. Le dessin permet une expression simple avec peu de moyens. Un simple dessin permet de rendre compte de la sensibilité effective ou pas d'un artiste/poète.
Négliger le dessin, c'est donc limiter significativement la progression du peintre.


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Le décryptage du jour :

Un artiste dessine avec son cerveau. Le dessin doit être précédé d'une intention. Chaque tracé, chaque action doit être réfléchi.

 1 Une zone de tension 
Déterminer un centre d'intérêt avant de dessiner. C'est la porte d'entrée du dessin, ici le popotin. L'artiste attire le regard du spectateur vers celle-ci en y concentrant :
- Les contrastes de valeurs les plus forts
- Les fondus
- Des contours appuyés pour souligner les formes
 2 Varier le graphisme
Fondus, hachures, un dessin au graphisme varié paraîtra plus riche de nuances.
Pour des hachures efficaces, celles-ci doivent être régulières et variées dans leur direction.

3 Ne pas tout dire
Le débutant a tendance à tout dire, trop dire. Cela peut donner des représentations littérales, ennuyeuses. Dire moins pour ajouter du mystère au dessin. Pour cela, il s'agit de hiérarchiser l'importance des parties du dessin.
Le non finito est une formidable source d'expressivité.




>> Jetez un œil au décryptage précédant !
Avanti !

J'ai le plaisir d’annoncer la création de ma chaîne Youtube avec la diffusion de la toute première vidéo (ci dessous) ! La première d'une looooongue série !
Je compte sur vous pour vous abonner à ma chaîne et diffuser la vidéo sur vos réseaux sociaux.


Dans cette vidéo, je présente 3 conseils pour progresser dans sa pratique artistique. Les 3 plus importants !

Partager ma passion pour l'art est une grande source de joie, alors merci à tous pour votre intérêt dans mon enseignement et pratique artistique.
Vive l'art et RDV le 15 décembre pour la diffusion de l'épisode 2 de mes aventures artistiques !
Si la poésie est une peinture qui parle, la peinture est une poésie silencieuse .
Cicéron
Une vie d'artiste, c'est une vie à rechercher. Une quête d'absolu, une vie à approfondir, à développer sa sensibilité. A l'instar d'un poème, une peinture est une composition sensible. Composer c'est mettre ensemble. Chaque geste, chaque touche, chaque couleur, chaque forme est pensée comme chaque mot est soigneusement choisi. Un peintre est un poète visuel.

Pour extraire un max d'expressivité de cette petite nature morte, j'ai pris une série de décisions dont voici les 4 majeures :
1 Choisir des oignons irréguliers (formes, texture).
2 Donner aux 2 oignons des orientations différentes pour créer de l’asymétrie dans leur positionnement.
3 Choisir un torchon bleu pour valoriser le jaune de l'oignon de gauche.
4 Opter pour un fond de couleur kaki sombre pour valoriser la luminosité des oignons et leurs éléments rougeâtres.
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Nombreux sont les peintres qui négligent le dessin au profit de la couleur. Il s'agit d'une erreur grave sachant que le dessin structure la peinture et sensibilise à des composantes clés telles que la forme, la valeur, les proportions, etc.

Au programme du cours dirigé vendredi, poses entre élèves (30 min). Le dessin rapide est le meilleur exercice pour progresser ... à consommer sans modération !