Sur mon chevalet ce matin, le portrait d'une personne qui défraie la chronique ... sujet qui soulève une série de questions intéressantes dans la recherche artistique : pourquoi faire son portrait ... et pourquoi pas ?

Quoi peindre ? Quel sujet choisir ? L'art doit il être transgressif ou consensuel ?
Faire le portrait d'une personne aussi sulfureuse que Harvey Weinstein, est-ce le célébrer ou le critiquer ? L'art doit-il questionner ?
En tant que spectateur, suis-je indifférent, curieux, troublé ou indigné ? Pourquoi ?
Libre à chacun de forger son opinion !

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La définition du jour :

Transgression. Selon Wikipédia, la transgression est l'action de transgresser, de ne pas respecter une obligation, une loi, un ordre, des règles. Par extension, une transgression désigne le fait de :
- Ne pas se conformer à une attitude courante, naturelle,
- Progresser aux dépens d'autre chose, d'empiéter sur quelque chose, d'envahir,
- Dépasser une limite, ou ses limites,
- D'aller contre ce qui semble naturel.

La citation du jour :

C'est le regardeur qui fait l'oeuvre.
Marcel Duchamp
J'ai fait appel à l'incroyable David pour prendre la pose à l'atelier de modèle vivant du mercredi. David est un modèle très apprécié pour sa capacité à prendre des poses dynamiques. Un régal à croquer !
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Le programme est le même que d'habitude : série de poses de 20 min, fusain, concentration, expressivité, énergie !
On fait bien ce que l'on connait bien. Comme le sport, progresser passe donc par la pratique, la répétition, l'optimisation. Réfléchir à chaque composante du dessin. Plus on avance, plus on se sensibilise et mieux on gère chaque donnée :
- Comment tenir le fusain ?
- Fusain de saule ou fusain de vigne ?
- Quel papier choisir pour dessiner au fusain ?
- Comment gommer alors que le fusain laisse des traces ?


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Les conseils du jour :

1. Le dessin est essentiel à l'humanité. Chaque objet produit par l'homme, des sous-vêtements au téléphone, en passant par la Grande Pyramide et autres stations spatiales, nécessite des images avant d'être matérialisé. Dessiner ressemble beaucoup à parler ou écrire. Sauf si l'on est diminué, tout le monde peut apprendre un langage. Mais rien de ce que l'on exprime a de l'importance si ce n'est pas compréhensible.

2. Bien que l'impulsion du dessin est naturelle et universelle, l'habilité à dessiner n'a rien à voir avec un don. Cela s'apprend, même s'il s'agit d'auto-apprentissage.

3. Le dessin dans le contexte de la peinture signifie taille, forme et arrangement de formes colorées qui une fois réunies, prennent du sens. Si la taille, forme, couleur et traitement des bords est incorrecte, cela impactera la ressemblance avec le sujet.
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La citation du jour :

L'excellence est un art que l'on atteint que par l'exercice constant. Nous sommes ce que nous faisons de manière répétée. L'excellence n'est donc pas une action mais une habitude.
Aristote

J-6 avant les stages modèle vivant de la Toussaint ! Qu'il soit débutant, initié ou confirmé, l'objectif de l'artiste reste le même : progresser, se sensibiliser, expérimenter, évoluer. En ce sens l'apprentissage n'a pas de fin et c'est le travail d'une vie.

La pose courte est un exercice de référence pour progresser. Il s'agit de solutionner les nombreuses contraintes telles que :
- A quelle échelle je dessine ?
- Comment valoriser mon sujet ?
- Comment améliorer mes hachures ?
- Comment obtenir des proportions plus justes ?

- Comment finir mon dessin en un délai aussi court ?
- Etc.

Mais c'est aussi l'occasion de se sensibiliser aux éléments du langage visuel et d'expérimenter de nouvelles pistes artistiques.
Nombreux sont les artistes qui se contentent de reproduire le modèle. En général, cela ne produit pas grand chose d'intéressant.
Dessiner c'est rendre intéressant le modèle à travers un langage graphique. Savoir dessiner a plus à voir avec la capacité à produire une poésie visuelle qu'à la capacité (insuffisante) de reproduire le modèle.

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Les dessins du mardi :

 Poses de 20 min, fusain 

La réflexion du jour :

Dans un dessin ou une peinture, quelque chose de la procédure et de la structure doit rester. Quand le dessin est trop lissé et poli, il devient trop littéral. C'est le travail de l'appareil photo. Dans un dessin, cependant, le «fini» n'est pas nécessairement de l'art. C'est l'interprétation et le processus de conception individuelle qui est de l'art et qui a une valeur.
Si vous incluez tous les faits littéraux et détails, le résultat sera ennuyeux. C'est la sélection des éléments importants qui est intéressant. Une conception sélective comporte vitalité, objectif et conviction. Un dessin trop détaillé, perdra force et puissance. Un cercle parfait tracé au compas ne laissera aucune trace de nous-mêmes. C'est la grande forme qui est importante, pas les petites choses ni l'exactitude.
Andrew Loomis
Après ce weekend zornesque très instructif, c'est la reprise du dessin durant le cours dirigé du début de semaine. Pour les élèves, le cheminement de l’apprentissage se poursuit : découvrir, répéter, approfondir. Le dessin rapide est pas moins que le meilleur exercice pour progresser :
- Quel sujet choisir ?
- A quelle échelle travailler ?

- Comment obtenir des proportions justes ?
- Comment avoir un meilleur contrôle sur les formes ?
- Comment avoir des valeurs plus juste ?
- Comment obtenir un modelé plus subtile ?
- Comment avoir des hachures plus régulières ?

- Comment avoir un dessin plus puissant ?
- Comment mieux gérer un temps imparti ?

Toutes les problématiques doivent être solutionnées, et cela dans un temps limité et (toujours trop) court. Entreprise difficile et donc très formatrice. Mon rôle d'enseignant est d'apporter un éclairage sur ces problèmes constitutifs du dessin. Parce que progresser en dessin passe par savoir mieux répondre à ces questions, démos et critique à l'appui.
J'ai demandé à Valérie de prendre une série de poses de 20 min ...et les fusains ont fumé !

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Les réflexions du jour :

Parce que l'artiste dessine avec son cerveau, voici une sélection de 5 réflexions émises durant l'exécution du fusain ci dessus :
1 Quand on fait 2 dessins, l'un est meilleur que l'autre et cela peut importe le niveau de l'artiste.
2 L'évidence est (souvent) inintéressante. Se demander comment rendre la représentation moins littérale.
3 Plus on avance, mieux on connait les composantes du dessin et plus on gagne en sensibilité.
4 Il faut plus penser à l'anatomie du dessin, qu'à l'anatomie du modèle.
5 Représenter signifie rendre intéressant le sujet d'abord visuellement.

20 min 

Des élèves concentrés et studieux !

La citation du jour :

Art is a line around your thoughts.
(L'art est une ligne autour de tes pensées).
Klimt
C'est très ému que j'ai pu enfin admirer la peinture d'un de mes héros, le peintre suédois Anders Zorn au Petit Palais ce weekend.

Quel génie de la composition, quelle élégance dans la mise en scène, quelle puissance picturale, quelle touche expressive ... une exposition qui enrichit et qui rend humble !

Zorn ne se contenta pas d'être un peintre supérieur, il fut également un formidable aquarelliste, graveur, dessinateur et photographe.

Exposition à ne pas manquer jusqu'au 17 décembre au Petit Palais à Paris.

Ci dessous, ma sélection du meilleur de l'expo, enjoy :


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La délicatesse du visage associée aux grosses touches du fond  ... quelle force dans cette aquarelle !

 Hmmm cet effeuillage à l'ombre d'un arbre est délicieux ... un coup de main mademoiselle ?

Je crois que j'ai besoin d'un bon bain moi ...

Zorn, c'est une économie de touches pour une puissance expressive incroyable !

Quelle modernité dans cette composition,
Je peux patiner avec vous ?!

Le traitement de la lumière est incroyable dans cet autoportrait ... 
oh, la fameuse palette Zorn, 4 couleurs : blanc, jaune, rouge et noir !

 
Beaucoup de portraits, président, élégantes ou toutous, tout le monde y passe !


Une oeuvre gravée considérable, la plus chère de son temps parait-il !

Dans quelle sens faire les hachures ? Réponse dans ce dessin ! 


Une porte, une chaise, presque rien et pourtant tout y est, pas besoin de plus!


Zorn fut aussi un excellent photographe, adepte du selfie ... au 19e !



En parallèle de Zorn, une autre exposition consacrée au pastel a lieu au Petit Palais intitulée L'art du pastel de Degas à Redon. Je retiens ces 3 pastels :


2 œuvres du grand Victor Prouvé, artiste nancéien dont vous pouvez voir d'autres œuvres ici ! 


Et pour finir une élégante dans les tons ocres rouges !



C'est le formidable David (je croquais à l'Ensa de Nancy il y a plus de 10 ans)  qui a pris la pose sur l'estrade de l'atelier de modèle vivant du mercredi.

Quoi dessiner ?
Le choix du sujet fait parti d'une des (grosses) problématiques auquelle est confronté l'artiste.
Avec David c'est simple, il n'y a pas besoin de beaucoup chercher, il est toujours intéressant à dessiner. Avec sa barbe de moujik et ses poses expressives telles des sculptures de Rodin ... que du bonheur !

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Les 3 raisons du jour :

Les dessins de cet article ont été réalisés dans le cadre d'un atelier de modèle vivant (poses de 20 min). Il s'agit avant tout de s'exercer dans le but de progresser, de répéter jusqu'à la virtuosité. Parfois, on arrive à quelque chose de satisfaisant, souvent non. Les contraintes relatives à la séance de modèle sont lourdes et rendent l'exercice très formateur notamment pour 3 raisons :

Temps imparti : Dessiner en 20 min, c'est très court. Choix du sujet, composition, construction,  approfondissement, le temps imparti stresse à travailler plus efficacement.
Sujet imposé : Les élèves ne choisissent ni le modèle, ni leur place, ni la pose : Quoi dessiner ? et comment l'exploiter au mieux ? Voilà les 2 questions cruciales qu'il s'agit de se poser avant même de saisir le fusain.
Travail d'après nature : Apprendre à dessiner, c'est apprendre à résoudre les problèmes relatifs au dessin et plus largement à l'art.
Quel sujet vais-je dessiner ? Ai-je le le bon recul par rapport au sujet ? A quelle échelle vais-je travailler ? Le travail d'après nature pose plus de problèmes que celui d'après photos. Il est ainsi plus difficile et donc plus formateur. La complexité du travail d'après nature sensibilise l’œil de l'élève à l'ensemble des constitutifs du dessin comme par exemple la composition, la lumière, les formes.

Le peintre travaille avec son œil, son cerveau et sa main.
Un artiste qui veut progresser doit travailler les 3 paramètres pour progresser. Mieux voir avec ses yeux, mieux décider avec son cerveau et mieux appliquer avec sa main. La séance de modèle vivant est de loin le meilleur exercice pour progresser et cela depuis 500 ans.
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Construction et valorisation, les 2 piliers du dessin !

La citation du jour :

L'anatomie du dessin est toujours plus importante que l'anatomie du sujet.
Marc Awodey

Comme la séance du lundi, le cours dirigé du mardi est une séance de musculation pour les élèves, dans laquelle ils vont muscler leur œil, leur cerveau et leur main. Comme pour le sport, cet entrainement passe par la réalisation d'exercices à travers lesquels il s'agit de résoudre des problèmes.
Mon rôle de prof est d'apporter un éclairage sur les nombreux problèmes que soulève le dessin :
- Quel sujet choisir ?
- A quelle échelle je dois dessiner ?
- Comment mieux composer ?
- Comment hachurer, estomper, cadrer ?
- Quel matériel graphique choisir ?


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La réflexion du jour :

Commençons par définir ce qui fait un bon artiste face au modèle.
Chaque dessin commence par une idée, un message à passer, quelque chose à dire.
Chaque cm2 du dessin est gouverné par cet objectif. L'artiste voit, et son dessin nous dit l'importance de ce qu'il voit et de ce qu'il ressent vis à vis du sujet. Puis il souligne ce qui est de la plus haute importance et subordonne ce qui doit être là, mais  de moindre importance.
Andrew Loomis
>> Je veux plus de réflexions de Loomis !

Chantal à la pose de 20 min !

 Le rôle du prof  :
 guider, expliquer, répéter, critiquer, conseiller, démontrer !

La citation du jour :

Si j'ai confiance en ma main qui dessine,
c'est que pendant que je l'habituais à me servir,
je me suis efforcé à ne jamais lui laisser prendre
le pas sur mon sentiment. Je sens très bien,
lorsqu'elle paraphrase, s'il y a désaccord entre
nous deux; entre elle et le je ne sais quoi en moi
qui paraît lui être soumis. La main n'est que le
prolongement de la sensibilité et de l'intelligence.
Plus elle est souple, plus elle est obéissante.
Il ne faut pas que la servante devienne maîtresse.
Henri Matisse
C'est toujours un plaisir de commencer la semaine avec le cours dirigé et retrouver les élèves travailleurs et motivés.
Au programme cette semaine, l'exploration du dessin continue avec un focus technique sur les hachures, dimension qui pose souvent problème. Les poses de 20 min s'enchaînent et les productions se multiplient, ainsi que les démos :
( à gauche, pose de 20 min, fusain)
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En parallèle, des tonnes de conseils sont donnés pour solutionner les problèmes inhérents au dessin  et à l'art en général :  :
- Comment obtenir des hachures plus lisibles ?
- Comment obtenir un tracé plus dynamique ?
- Dans quel sens hachurer ?


Parce que débutant ou avancé, l'artiste doit avoir un seul objectif, celui de progresser !

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Les réflexions du jour :

Il y a le bon art et le mauvais art. Qu'est ce que le bon art ? Vaste débat ! En tout cas, celui-ci est complexe et nécessite indiscutablement recherches, interrogations et échecs. Aujourd'hui, je vous propose quelques réflexions d'Andrew Loomis à méditer :

1 Pour comprendre pourquoi un dessin est efficace ou non, il faut y reconnaître une certaine habileté développée de la petite enfance jusqu'à l'âge adulte. Cette habileté se nomme "perception intelligente." Il s'agit de la vision coordonnée avec le cerveau. C'est le sens de la justesse développée via le rapport direct aux choses.

2 Chaque dessin/peinture doit avoir une raison d'être, un propos, une intention. Si nous parvenons à faire sentir au spectateur cette intention, alors nous avons gagné son attention, son intérêt.

3 La nature est le meilleur des enseignants. Si l'artiste possède la capacité technique de traduire la forme dans l'espace, et maîtrise l'impact de la lumière sur cette forme, il possède la base permettant son expression individuelle, soit ce qu'il y a de plus important.

4 Le dessin est la vision de l'artiste sur du papier. Plus que cela, c'est une vision individuelle composée de la personnalité, du sens de l'observation, de la sensibilité, philosophie et une foule d'autres qualités, toutes provenant d'une seule source, l'artiste. Cela n'est rien d'autre. Le dessin est étroitement lié aux autres arts créatifs, qui sont chacun des désirs d'exprimer une émotion individuelle, et tenter de montrer au spectateur nos sentiments intérieurs.
>> Je veux plus de réflexions de Loomis !


Critique, conseils, réflexions pour une meilleure compréhension du dessin !

La citation du jour :

Dessinez tout le temps. Croquez tout autour de vous et soyez curieux.
John Singer Sargent 
C'est Anna qui a pris la pose ce vendredi à l'atelier de modèle vivant. Avec ses cheveux châtains foncés et son caban noir, le fusain était une technique tout à fait appropriée. Pour le dessin à gauche, j'ai choisi un cadrage ajusté et une composition pyramidale pour maximiser l'expressivité.

Dessiner dans le cadre de l'atelier de modèle vivant permet de mettre en application les acquis du cours dirigé.
Comme en début de semaine, le programme était à la pose rapide ... 20 minutes, c'est très court pour dessiner.
Mais alors pourquoi ce temps imparti aussi court et stressant ?



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Les 3 bonnes raisons du jour :

Pourquoi s'exercer à dessiner rapidement ?
1 Mieux hiérarchiser les informations visuelles. Tout n’est pas intéressant à dessiner. Apprendre à soustraire, éliminer plutôt qu’additionner. Trop de détails entraîne une expression confuse, alors que la simplification amène une représentation puissance et élégante.
2 Gagner en efficacité. A terme, ce que l'on faisait en 20 min, on parvient à le faire en 10 min.
3 Obtenir un tracé plus affirmé et des représentations plus vivantes, énergiques. Un dessin dynamique passe par une gestuelle dynamique.
>> Help ! Je ne sais pas quoi dessiner !

La citation du jour :

L'art est une émotion supplémentaire qui vient s'ajouter à une technique habile.
Charlie Chaplin
Avis aux artistes !
J'anime 2 stages de modèle vivant durant les vacances de la Toussaint
- Du 23 au 26 Octobre 2017 à Paris
- Les 30, 31 oct, 1 et 3 nov à Nancy

>> Inscription : yhovadik@gmail.com

Pourquoi faire du modèle vivant ?
Développer ses compétences ! L'artiste travaille avec son œil, son cerveau et sa main. Pour progresser dans sa pratique, il doit apprendre à mieux voir, mieux décider et mieux exécuter.
La reproduction de photos ne permet qu'un développement superficiel des compétences de l'artiste.
En revanche, travailler d'après nature permet à l'artiste de :
- Sensibiliser significativement son œil aux éléments du langage visuel
- Chercher et choisir un sujet
- Réfléchir à sa valorisation
- Mieux connaitre sa technique (processus, matériel, gestes)
- Travailler efficacement
- Expérimenter pour un développement de la créativité

Le meilleur exercice ! 
Le nu est incontestablement le meilleur exercice pour progresser parce qu'il concentre toutes les problématiques liées à la représentation (composition, proportions, modelé, valeurs, formes, etc). Il est en outre, l'exercice le plus difficile donc le plus formateur !
Bien sûr, je serai là pour vous guider, corriger et conseiller. De nombreuses démos seront réalisées pour tout comprendre sur le procédés employés.

Une immersion dans le modèle vivant avec les bons gestes, la présentation du matériel adéquat, d'une méthode efficace, ce stage réunit tout pour progresser !
Venez dessiner et peindre avec moi !

>> Toutes les infos sur le stage à Paris !
>> Toutes les infos sur le stage à Nancy !

Exemple de réalisations :

Illuminez vos dessins avec le pastel !

 Capturer la ressemblance avec le portrait à l'huile !

Obtenez des dessins puissants avec la technique du fusain !

La qualité vient avec la quantité, enchaîner les réalisations !


Des tonnes de conseils, de démos !