C'est quand même fou l'effet,
L'effet que ça fait,
De te voir rouler,
Ainsi des yeux et des hanches ... <3


Après des dizaines de natures mortes, retour du modèle vivant, avec une très belle Dinah qui a pris une double pose d'1 heure.
J'ai opté pour un portrait puis une pose allongée... les paroles sensuelles de la chanson de Gainsbourg en tête.

>> Retrouvez moi en cours pour croquer des modèles envoûtants !

Les 3 raisons du jour :

L'atelier de modèle vivant est un lieu où l'artiste s'exerce dans le but de progresser, de répéter jusqu'à la virtuosité. Il y a des séances satisfaisantes, d'autres moins. Les contraintes relatives à la séance de modèle sont lourdes et rendent l'exercice très formateur notamment pour 3 raisons :

Temps imparti : Dessiner en 30 min, c'est très court. Choix du sujet, composition, construction, approfondissement, le temps imparti stresse à travailler plus efficacement.

Sujet imposé : Les élèves ne choisissent ni le modèle, ni leur place, ni la pose : Quoi dessiner ? et comment l'exploiter au mieux ? Voilà les 2 questions cruciales qu'il s'agit de se poser avant même de saisir le fusain ou la brosse.

Travail d'après nature : L'apprentissage artistique, c'est apprendre à résoudre les problèmes artistiques
Quel sujet vais-je dessiner ? Ai-je le le bon recul par rapport au sujet ? A quelle échelle vais-je travailler ? Comment rendre mes peintures plus poétiques ? Le travail d'après nature pose plus de problèmes que celui d'après photos. Il est ainsi plus difficile et donc plus formateur.
La complexité du travail d'après nature sensibilise l’œil de l'élève à l'ensemble des constitutifs de la représentation.

Dinah, 45 min

Le peintre travaille avec son œil, son cerveau et sa main.
Un artiste qui veut progresser doit travailler les 3 paramètres pour progresser. Mieux voir avec ses yeux, mieux décider avec son cerveau et mieux appliquer avec sa main. La séance de modèle vivant est de loin le meilleur exercice pour progresser ... et cela depuis 500 ans.

Au programme ce matin, cours particulier avec une demo aux petits oignons agrémentée de commentaires pour une leçon optimale !
Comment dynamiser une peinture ? Comment rendre vivante une nature morte ? Comment en finir avec la reproduction de photos ? Comment faire une peinture qui ressemble à une peinture et non à une photo ?

>> Envie d'un accompagnement optimisé ? Contacter moi pour un cours particulier ! 

Les 2 réflexions du jour :

Il ne faut pas peindre littéralement la complexité des formes et des surfaces de la nature, mais chercher les grandes formes dans le sujet. Ainsi, nous voyons instantanément le goût, la sélection, l'inventivité dans la simplification. Une telle approche est créative et non une simple acceptation passive des faits visuels. Est ainsi ajouté l'intelligence du regard qui manque cruellement à l'appareil photo.

Dans un dessin ou une peinture, quelque chose de la procédure et de la structure doit rester. Quand le dessin est trop lissé et poli, il devient trop littéral. C'est le travail de l'appareil photo. Dans un dessin, cependant, le «fini» n'est pas nécessairement de l'art. C'est l'interprétation et le processus de conception individuelle qui est de l'art et qui a une valeur. Si vous incluez tous les faits littéraux et détails, le résultat sera ennuyeux. C'est la sélection des éléments importants qui est intéressant. Une conception sélective comporte vitalité, objectif et conviction. Un dessin trop détaillé, perdra force et puissance. Un cercle parfait tracé au compas ne laissera aucune trace de nous-mêmes. C'est la grande forme qui est importante, pas les petites choses ni l'exactitude.
Andrew Loomis
>> Je veux plus de conseils peinture !
Sur mon chevalet aujourd'hui, du dailypainting avec une composition avec un souvenir rapporté d'un de mes stages dans le Jura ... une bouteille de Mac Vin !


Le dailypainting est un excellent exercice pour progresser. Comme son nom l’indique, le dailypainting, c’est peindre une petite peinture par jour.
Plutôt que de se lancer dans de grandes peintures complexes demandant des heures et des heures de travail, il est préférable de peindre des petites peintures simples alla prima, soit finalisées en une séance.
Peindre 10 petites peintures, c’est se confronter 10 fois aux problématiques inhérentes à la peinture ... c'est faire rentrer le métier !


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La réflexion du jour :

Dans l'apprentissage de la peinture, il est indispensable de travailler d'après nature :
- On n'apprend que par la contrainte. On se forme en solutionnant des problèmes. Travailler d'après nature est plus contraignant que de travailler à partir de photos, donc bien plus formateur.

- La photo incite à se transformer en photocopieur. Or la copie d'un photo n'a aucun sens à moins d'apporter une valeur ajoutée. Une peinture doit ressembler à une peinture et non à une photo. Une photo doit ressembler à une photo et non à une peinture.
Travailler d'après nature permet de dominer la nature pour mieux l'interpréter, soit faire des modifications. 

La citation du jour :

Les anciens, en faisant la nature plus simple, l’ont rendue plus grande.
Renoir


La rentrée des classes bat son plein avec la reprise du dessin et du fusain ! Au programme du cours dirigé à Paris, une série de poses (30 min) avec introduction du clair obscur.

Le clair obscur est un système de représentation très intéressant permettant :
- La valorisation de la lumière (contraste de valeurs)
- La poésie à travers l'apport du suggéré
- Le travail par masses pour une approche plus picturale
- Une sensibilisation à la composition
- Etc.

 
On retrouve enfin de magnifiques modèles à croquer ... ready pour une démo !

L'optimisation du clair obscur nécessite un matériel graphique et un processus adapté.
Bien entendu, dessiner ne se limite pas à la dimension technique. La littérature ne se limite pas à la maîtrise de la grammaire et de la syntaxe. La technique est au service de la poésie.
- Qu'est ce que la poésie ?
- Comment développer la dimension poétique de mon dessin ?


Le cours dirigé passe en revue ces notions pour guider l'élève et passer de la technique au poétique.
>> Retrouvez moi en cours pour apprendre à dessiner à la manière de Caravage !


 Des élèves concentrés et travailleurs !

L'incontournable dessin
L'apprentissage artistique commence par le dessin. Une pratique du dessin intensive va permettre de maîtriser une pléthore de notions telles que :
- La justesse, l'intention, la forme, la composition, les proportions, les hachures ...
Ces notions se retrouvent évidemment dans la peinture. Ainsi, mieux on dessine, mieux on peint.
A l'inverse, négliger le dessin, c'est limiter la progression artistique.



Pour ceux qui n'ont pas accès à mes cours, j'ai créé cet Ebook qui réunit tout ce qu'il faut savoir pour booster vos dessins !

La citation du jour :

On ne dessine jamais assez. Dessiner sans arrêt et soyez curieux !
Sargent

Soyez profondément, farouchement véridiques. De la simplicité, de la naïveté ! Les plus beaux sujets se trouvent devant vous : ce sont ceux que vous connaissez le mieux.

J'avais cette réflexion du grand Rodin (Testament esthétique) en cherchant un sujet à peindre ce matin. Si les sujets simples peuvent paraître insuffisants aux yeux du vulgaires, ils touchent ceux du poète, qui n'a pas besoin d'ostentatoire pour être ému.
Les sujets sont autour de soi, il suffit de les voir. Les maîtres sont ceux qui regardent avec leurs propres yeux ce que tout le monde a vu et qui savent apercevoir la beauté de ce qui est trop habituel pour les autres esprits.

>> Retrouvez moi en cours pour apprendre à voir le monde comme un poète !

La réflexion du jour :

Il y a une grande différence entre la théorie et la pratique. La théorie est nécessaire, mais elle n'apporte pas beaucoup si on ne l'applique pas pour soi. La pratique répétée n'apporte également pas grand chose à moins qu'elle ne permette d'emmagasiner du savoir. Répéter la même chose encore et encore sans acquérir de nouvelles connaissances entre 2 efforts n'apporte pas grand chose. Malheureusement, cela n'arrive pas souvent et il n'y a rien de plus désespérant. Nous devons chercher sans arrêt les raisons de ce que nous faisons. Il existe toujours une raison si l'on a la patience de la rechercher.
Andrew Loomis
La rentrée des classes bat son plein et les dessins ont fusé durant le cours dirigé !

Comme d'habitude le cours a débuté avec une démonstration commentée. La démo est le meilleur moyen pédagogique pour apprendre.  Bien entendu, la démonstration doit pouvoir être commentée pour clarifier et expliciter verbalement certaines décisions ou gestes.

L'artiste réfléchit non pas à plaire au public, mais à soi même en cherchant à produire l'image la plus intéressante possible.
Pour cela il fait marcher son cerveau et questionne son art :
- Comment insuffler de la poésie à un dessin ?
- Un dessin doit-il être nécessairement terminé, "bien fait" ?
- Comment en finir avec le photo-réalisme ?
- Le réalisme se limite t'il au descriptif ?
- Qu'est ce que le bon réalisme ?
- Comment apporter de la profondeur à un dessin ?
- Etc

Des pistes de réflexions ont été émises durant la réalisation de la démo à gauche (35 min).
Pour progresser, un artiste doit mieux observer, mieux décider, être plus sensible, mieux philosopher.


Vous êtes nombreux à me questionner sur mon approche du dessin. J'ai créé cet Ebook qui apporte un éclairage sur toutes les notions techniques !


Rentrée des classes !
Ça y est, on y est, après les fêtes de fin d'année, les cours reprennent et on attaque le 2e trimestre hyper motivé !
Au programme, du modèle vivant au fusain en poses de 30 minutes, parce que c'est tout simplement le meilleur exercice pour apprendre à dessiner ... et peindre !

Attention à la photo !
C'est un fait, on n'apprend pas à dessiner en recopiant uniquement des photos. Pire, cela a tendance à rendre l'artiste dépendant de la photo, de le transformer en photocopieur et tomber dans le photo-réalisme stérile. Un dessin qui imite une photo a autant de sens qu'une photo qui imite un dessin.

Au contraire, travailler d'après nature va permettre de maîtriser le réel dans sa complexité mais aussi de s'en détacher, d'opérer des modifications, de développer sa manière.
Si vos dessins ou peintures sont statiques et manquent de vie, il est grand temps de travailler d'après nature !

Poses de 30 min au fusain d'après nature, rien de meilleur !

L'incontournable dessin
L'apprentissage artistique commence par le dessin. Une pratique du dessin intensive va permettre de maîtriser une pléthore de notions telles que :
- La justesse, l'intention, la forme, la composition, les proportions, les hachures ...
Ces notions se retrouvent évidemment dans la peinture. Ainsi, mieux on dessine, mieux on peint.


Pour ceux qui n'ont pas accès à mes cours, j'ai créé cet Ebook qui réunit tout ce qu'il faut savoir pour booster vos dessins !


Au delà de la technique
Dessiner est une chose. Faire de la poésie en est une autre. Même si la technique est un bagage indispensable, l'art ne se réduit pas à celle-ci. La technique est un moyen et non une fin.
Connaitre la grammaire, la syntaxe, la conjugaison ce n'est pas écrire de la littérature.

Faire de l'art, c'est fabriquer des images intéressantes. C'est transformer le réel en images poétiques.
On ne naît pas poète, on le devient. Si la technique rentre par la répétition, fabriquer de la poésie se recherche, s'approfondit.

Objectif 2019, progresser encore et encore !
L'artiste philosophe
Un artiste est forcément philosophe. Il se pose des questions profondes telles que
Pourquoi je dessine ? Qu'est ce que l'art ? Qu'est ce que le beau ? Qu'est ce que la poésie ?
Plus une question est profonde, plus répondre à celle-ci est difficile. Se questionner, trouver des éléments de réponses va impacter la production artistique, lui donner profondeur et densité.

Ma lecture du moment, un régal !

Mes 4 conseils pour cette année :
1 Dessiner plus d'après nature en poses courtes (30 minutes, en dessous ça ne sert à rien)
2 Regarder plus les maîtres (les maîtres sont des standards d'excellence, ils tirent vers le haut)
3 Arrêter avec le recopiage systématique de photos. Pour cela, se référer au numéro 1.
4 Lire plus de littérature artistique (lire c'est développer son cerveau)

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Une petite démo survitaminée du cours particulier du lundi matin !
La démo est le meilleur moyen pédagogique pour apprendre. Tout est là, de la présentation du matériel jusqu'à la finalisation de la peinture.
Bien entendu, la démonstration doit pouvoir être commentée pour clarifier et expliciter verbalement certaines décisions ou gestes.
La démonstration assoit la légitimité du professeur et atteste de sa maîtrise et savoir-faire.
Exigez de votre prof des démos (commentées) ... ou changez de prof !

- Comment mieux choisir ses sujets ?
- Comment choisir son matériel de dessin/peinture ?
- Comment optimiser le processus ?
- Comment booster l'expressivité de votre art ?
- Comment développer la poésie  ?
- Etc

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La citation du jour :

Le véritable enseignement n'est point de te parler mais de te conduire.
Antoine De Saint-Exupéry

Peindre des pommes n'est pas simple. Il s'agit du sujet le plus banal au monde. Mal peintes et les pommes deviennent d'un ennui mortel. Mais bien peintes, elles passent d'ordinaires à extraordinaires.

Quoi peindre ? Quel sujet choisir ? 
Un peintre se pose cette question à chaque nouvelle peinture. Il sait que le choix de ses sujets est révélateur de son goût.
Suis une 2e question :
Comment rendre ce sujet intéressant ? Comment en faire une image poétique ?
C'est la question la plus importante. En réalité, c'est la seule question qui importe. Il n'y a pas de mauvais sujet, que de mauvaises peintures. Tout a un potentiel. A l'artiste de le révéler.

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La lecture du jour :


Touche. Beaucoup de maîtres ont évité de la faire sentir, pensant sans doute se rapprocher de la nature, qui effectivement n’en présente pas. La touche est un moyen comme un autre de contribuer à rendre la pensée dans la peinture. Sans doute une peinture peut être très belle sans montrer la touche, mais il est puéril de penser qu’on se rapproche de l’effet de la nature en ceci : autant vaudrait-il faire sur son tableau de véritables reliefs colorés, sous prétexte que les corps sont saillants !

Il y a dans tous les arts des moyens d’exécution adoptés et convenus, et on n’est qu’un connaisseur imparfait quand on ne sait pas lire dans ces indications de la pensée ; la preuve, c’est que le vulgaire préfère, à tous les autres, les tableaux les plus lisses et les moins touchés, et les préfère à cause de cela. Tout dépend au reste, dans l’ouvrage d’un véritable maître, de la distance commandée pour regarder son tableau. A une certaine distance la touche se fond dans l’ensemble, mais elle donne à la peinture un accent que le fondu des teintes ne peut produire. En regardant, par contre, de très près l’ouvrage le plus fini, on découvrira encore des traces de touches et d’accents, etc… Il résulterait de là qu’une esquisse bien touchée ne peut faire autant de plaisir qu’un tableau bien fini, je devrais dire non touché, car il est bon nombre de tableaux dont la touche est complètement absente, mais qui sont loin d'être finis.

La touche, employée comme il convient, sert à prononcer plus convenablement les différents plans des objets. Fortement accusée, elle les fait venir en avant ; le contraire les recule. Dans les petits tableaux même, la touche ne déplaît point. On peut préférer un Téniers à un Mieris ou à un Van der Meer.
Que dira-t-on des maîtres qui prononcent sèchement les contours tout en s’abstenant de la touche ? Il n’y a pas plus de contours qu’il n’y a de touches dans la nature. Il faut toujours en revenir à des moyens convenus dans chaque art, qui sont le langage de cet art. Qu’est-ce qu’un dessin au blanc et au noir, si ce n’est une convention à laquelle le spectateur est habitué et qui n’empêche pas son imagination de voir dans cette traduction de la nature un équivalent complet ?

Il en est de même de la gravure. Il ne faut pas un œil bien clairvoyant pour apercevoir cette multitude de tailles dont le croisement amène l’effet que le graveur veut produire. Ce sont des touches plus ou moins ingénieuses dans leur disposition qui, tantôt espacées pour laisser jouer le papier et donner plus de transparence au travail, tantôt rapprochées les unes des autres pour assourdir la teinte et lui donner l’apparence de la continuité, rendent par des moyens de convention, mais que le sentiment a découverts et consacrés et sans employer la magie de la couleur, non pas pour le sens purement physique de la vue, mais pour les yeux de l’esprit ou de l'âme, toutes les richesses de la nature : la peau éclatante de fraîcheur de la jeune fille, les rides du vieillard, le moelleux des étoffes, la transparence des eaux, le lointain des ciels et des montagnes.

Si l’on se prévaut de l’absence de touche de certains tableaux de grands maîtres, il ne faut pas oublier que le temps amortit la touche. Beaucoup de ces peintres qui évitent la touche avec le plus grand soin, sous prétexte qu’elle n’est pas dans la nature, exagèrent le contour, qui ne s’y trouve pas davantage. Ils pensent ainsi introduire une précision qui n’est réelle que pour les sens peu exercés des demi-connaisseurs. Ils se dispensent même d’exprimer convenablement les reliefs, grâce à ce moyen grossier ennemi de toute illusion ; car ce contour prononcé également et outre mesure annule la saillie en faisant venir en avant les parties qui dans tout objet sont toujours les plus éloignées de l'œil, c’est-à-dire les contours.

L’admiration exagérée des vieilles fresques a contribué à entretenir chez beaucoup d’artistes cette propension à outrer les contours. Dans ce genre de peinture, la nécessité où est le peintre de tracer avec certitude ses contours est une nécessité commandée par l’exécution matérielle ; d’ailleurs, dans ce genre comme dans la peinture sur verre, où les moyens sont plus conventionnels que ceux de la peinture à l’huile, il faut peindre à grands traits ; le peintre ne cherche pas tant à séduire par l’effet de la couleur que par la grande disposition des lignes et leur accord avec celles de l’architecture.

La sculpture a sa convention comme la peinture et la gravure. On n’est point choqué de la froideur qui semblerait devoir résulter de la couleur uniforme des matières qu’elle emploie, que ce soit le marbre, le bois, la pierre, l’ivoire, etc. Le défaut de coloration des yeux, des cheveux, n’est pas un obstacle au genre d’expression que comporte cet art. L’isolement des figures de ronde bosse, sans rapport avec un fond quelconque, la convention bien autrement forte des bas-reliefs n’y nuisent pas davantage.
La sculpture elle-même comporte la touche ; l’exagération de certains creux ou leur disposition ajoute à l’effet, comme, par exemple, ces trous percés au vilebrequin dans certaines parties des cheveux ou des accessoires qui, au lieu d’une ligne creusée d’une manière continue, adoucissent à distance ce qu’elle avait de trop dur et ajoutent à la souplesse, donnent l’idée de la légèreté, surtout dans les cheveux, dont les ondulations ne se suivent pas d’une manière trop formelle.
Eugène Delacroix

Je profite des quelques derniers jours de vacances pour peindre un max.  La série de natures mortes continue avec le portrait d'un couple étrange, Eros et Thanatos. La lumière et les ténèbres. Complémentaires ou contraires ?

Qui peut le moins peut le plus !

 Peindre un objet unique pose un tas de questionnements :
- Quelle orientation donner à l'objet ?
- Quel fond, quel support choisir ?
- Comment peindre plus que l'objet ?
- Faut-il le centrer, le décentrer ?
- Etc.

Peindre des compositions avec plusieurs objets est plus difficile puisque cela demande de peindre également les relations entre les objets. Il est donc préférable de commencer par se familiariser avec la peinture d'objets seuls.


Le dailypainting (peindre chaque jour une (petite) peinture) permet de se confronter fréquemment à ces questions. C'est en apportant des réponses efficaces que l'artiste va progresser et sa peinture se bonifier.

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La citation du jour : 

Il y a pire que la mort qui vient, c'est l'amour qui ne vient jamais.
Daniel Beranger

La nature morte est sans doute le meilleur exercice pour apprendre à associer. Tout commence par une composition. Formes, valeurs, couleurs, textures, il s'agit de savoir organiser des objets en un tout intéressant. Rien ne doit être laissé au hasard !
Une peinture est simplement une expérience de composition. Si la composition est agréable la peinture est bonne, peu importe qu'elle soit composée d'objets, natures mortes, des figures ou d'oiseaux.Frank Benson
Pour le débutant, savoir composer n'est pas chose facile. Ci-dessous 5 conseils au sujet de la compo pour y voir un peu plus clair et mieux organiser vos peintures.
Enjoy !
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Les 5 conseils du jour :

1 Une idée, une sorte de ligne et de forme, une valeur, une teinte, une texture doit dominer la peinture.
2 Privilégier les compositions simples. Les chef-d’œuvre sont généralement simples. Alfred Stevens
3  Ne rien mettre sur la toile qui n’apporte rien, ne jamais peindre de détail sauf s’il signifie quelque chose. George Inness

Le processus en 3 étapes !

4 Créer un point d’entrée pour que l’œil voyage dans la peinture. L’œil doit voyagé depuis le centre d’intérêt jusqu’aux zones secondaires avant de quitter la peinture.
5 Ne pas placer d’éléments important au centre, cela coupe la peinture en 2. Décentrez plutôt légèrement sur l’un ou l’autre côté.
>> Je veux plus de conseils au sujet de la composition !

La citation du jour :

Il y a des tableaux où il n’y a rien et pourtant tout y est.
Corot